Brainfeeders & Mindfuckers

The Basement Tapes.

2012-01-04T23:53:00.002+01:00

Dans la grande architecture du hip hop, il y a l'art lui-même, la créativité, l'inventivité. Mais il y a aussi les fondations. Le rap, c'est aussi un côté pratique et terre-à-terre, des bases solides pour asseoir le flow. La brique du hip hop, c'est le sample. C'est détourner un standard, une grande chanson, un détail d'un titre pour reconstruire la musique, en faire une ossature solide et nouvelle, sur laquelle le MC viendra déposer ses mots. Le maçon de ces constructions, c'est le DJ, le mec derrière les platines. Le véritable architecte, c'est lui. Il est le beatmaker, celui qui conçoit, qui pense et qui offrira le cadre idéal aux déclamations des autres.

Bien sûr, l'originalité prime toujours. Sinon, il suffirait de balancer un beat à 120, une petite ligne de basse tirée d'un classique du funk, quelques détails de production, et avec un bon MC, vous avez un titre correct. Le rap, au final, c'est qu'un gimmick, c'est les synthés kitsch et jouissifs de Grandmaster Flash, et la simplicité assumée des instrus de DJ Yella pour le NWA. L'originalité, à l'époque, elle était ailleurs. Elle était dans le discours, la haine de chaque mot, les insultes et le style. Le sample, c'était juste un beau tapis pour que d'autres brillent. Le DJ est dans l'ombre. Bien vite, il fait bon de se démarquer, d'aller chercher ses samples ailleurs que sur les vinyles de soul et de funk. Nas va te chercher Beethoven, Immortal Technique la bande originale de Love Story, Orishas qui reprend Compay Segundo et The Roots, l'année dernière, ont ramené Joanna Newsom. Le sample est devenu critère de qualité et d'inventivité. Au point qu'on regrette et critique le recours simplicité. Kanye et Jay-Z qui ressortent leur Otis Redding, c'est fuir la difficulté pour ces deux avant-gardistes.

Mais, reconsidérons le sample, cette bribe de son diluvien qu'on réutilise, ces vinyles dont on use les sillons jusqu'à épuisement. Il faut y voir plus qu'un hommage aux grands anciens. C'est à la fois un moyen de se démarquer des autres, de montrer sa dextérité derrière les platines, mais c'est surtout l'éternelle histoire de la musique. Le sample, c'est la nouvelle forme de la folk song, cette chanson gravée dans l'éternité que les songwriters reprennent. Chaque interprétation est différente. Ces chansons sont éternellement envie parce qu'il y a des chanteurs pour les chanter. Ces chansons sont immortelles, c'est Joan Baez qui dit que "Silver Dagger" est une vieille chanson de Dylan. Alors qu'elle date de 1907. Le sample est maintenant profondément incrusté dans l'histoire de la musique américaine. Et sampler une chanson déjà utilisée par un autre DJ n'a rien du manque d'inventivité, c'est juste puiser dans les ressources de la musique américaine, comme les folk singers le faisaient dans les années 30.

Pas étonnant de voir Raekwon enfin sampler le "Inner City Blues" de Marvin Gaye (la meilleure ligne de basse du monde) sur son dernier EP. Même s'il le fait discrètement, l'espace de deux mesures, le clin d’œil est appuyé, il retourne aux racines américaines du funk et de la soul, aux grands espaces du groove de maître Gaye et des sires du funk. La course au sample s'est arrêté, parce qu'il ne s'agit plus de se démarquer des autres, mais de construire une maison solide, faite des bases indispensables du hip hop : rythme et groove. La rage, la haine et la classe viennent seulement après.

Le sample est au centre du travail d'Exile, sur Give Me My Flowers While I Can Smell Them. Le beatmaker va creuser la culture US au plus profond. Il en ressort Tom Waits, le générique de Mister Rogers' Neighborhood, l'arbre de Noël des Supremes, les Fugees, sans complexe. Les samples sont en plein jour. Les voix restent tout au long des morceaux. Les parties volées ici et là s'intègrent alors parfaitement, et le travail de Blu & Exile devient juste une interprétation de plus d'un standard. Ils perpétuent la tradition de la folk song comme rarement dans le hip hop. Rendre hommage plutôt que s'approprier et cacher. Revendiquer ses influences, sa culture, d'où on vient, sans l'enrober d'une classe fantasmée, des pourtours sexistes et des bagues en platine.

Give Me My Flowers While I Can Smell Them a été enregistré en 2008 et 2009, sans véritable intention d'en faire quelque chose. Juste pour mettre du son sur une amitié entre deux hommes. Il est à peine produit et masterisé, ce sont justes les titres comme ils étaient sur le moment. Give Me My Flowers While I Can Smell Them s'apparente aux Basement Tapes de Dylan. C'est un coup de chapeau à l'Amérique et ses chansons qui n'aurait jamais dû voir le jour. Mais on le prend comme il est, avec sa spontanéité et son envie, sa grâce et sa foi. Dylan avait enregistré dans sa cave avec The Band, pour tuer le temps, des vieilles chansons traditionnelles. Blu & Exile se font plaisir sur les samples les plus faciles du monde. Ils se contentent du plus simple : un sample, un beat, un flow. Et le résultat est simplement ce qu'on a entendu de mieux en rap depuis une paye. Voilà les Basement Tapes du hip hop, une œuvre déjà incontournable, parce qu'elle dépasse simplement le cadre du rap, et l'ancre un peu plus dans la musique américaine.

Jeff Mangum, itinéraire d'un mythe

2012-01-02T14:51:00.000+01:00

C'était comme le plan marketing parfait, orchestré de main de maitre pour créer un mythe. Disparaître sans raison, au sommet d'une gloire précaire, après avoir défini la musique indie, fait pleurer Pitchfork et influencé le monde entier. S'évaporer, retourner à l'état d'inconnu, d'anonyme errant quelque part à Athens, Georgia. Jeff Mangum est de ces disparus, de ces gens qui manquent. Ses raisons ? La célébrité n'est pas facile à vivre, son nouveau statut d'idole est trop dur à assumer. Il est épuisé par les tournées et les concerts. Jeff Mangum euthanasie Neutral Milk Hotel, il laisse ses amis continuer dans leurs coins, avec The Gerbils, The Olivia Tremor Control ou Elf Power. Mais pour lui, c'est fini. La musique, il la fera de loin, dans l'anonymat. On ne cite plus son nom. Il est présent chez Major Organ and the Adding Machine, mais il se fond dans la masse. Il tourne un peu, pour s'amuser, avec ses amis des Music Tapes, pour ne pas perdre la main. Mais il n'existe plus en tant que Jeff Mangum de Neutral Milk Hotel. Il devient un second couteau d'Elephant 6, son label. Jeff est épuisé nerveusement, alors il disparait.

Puis réapparaitre ensuite, à petite dose, tout doucement. Quelques reprises émergent entre les bootlegs. On s'use les oreilles sur son dernier concert à Auckland, en Nouvelle-Zélande. Chris Knox l'avait invité, il ne pouvait pas refusé. Alors il joue, comme d'habitude, ses chansons. Il explique qu'il était au bout du rouleau, les gens se taisent, hésitent même à applaudir. Jeff lance un froid et désespéré "ce sont des choses qui arrivent, ne vous sentez pas mal pour moi, ça devait arriver, c'est arrivé, tout va bien". Point final. C'était en 2001. Depuis, on pleure et on attend. On continue de vouer un culte à In The Aeroplane Over The Sea, sans vraiment savoir pourquoi, on continue d'y croire, à un retour du messie de l'indie, de l'homme au cheveux gras et aux pulls de Noël.

En 2009, Chris Knox fait une attaque. Il y passe tout près, à la limite d'y rester, ses amis lui font un disque. Et, Jeff Mangum réapparait. Pour la première fois, on découvre en temps réel une nouvelle chanson de Jeff. Même si ce n'est qu'une reprise de Chris Knox, même s'il n'y a rien de surprenant, de nouveau, c'est la renaissance de l'espoir. Huit ans sans un mot, et Jeff Mangum se rappelle aux cœurs de tous, consolidant par la même occasion son statut de quasi-génie. Cette courte chanson fait trembler les mains et vibrer les yeux de bonheur. Jeff est sorti de la lampe dans laquelle il était enfermé, et commence à exaucer les vœux des fans aussi désespérés que lui.

2011, pour des raisons obscures, Jeff Mangum réapparait complètement. Il revient à la lumière. Il revient sur scène, il chante, avec son inusable guitare les mêmes chansons. Il est le parrain du festival All Tomorrow's Parties cette année. Il y invite tous ses amis d'Elephant 6 et c'est comme un retour de quinze ans dans le passé. On trépigne d'impatience pour le coffret de rééditions en vinyle. Parce que dedans, il y a des chansons inédites, des titres jamais entendus. C'est comme de l'or, on se prend à rêver, en fermant les yeux, d'enfin entendre du nouveau. Après avoir passé des années à s'enfiler les bootlegs et les albums, à chercher des versions rares et à s'approprier les mots de Neutral Milk Hotel dix ans après leurs sorties, on va enfin pouvoir entendre du neuf. C'est la première fois qu'on peut découvrir réellement. L'émotion est grande. Cinq chansons vraiment nouvelles seulement. Et des concerts auxquelles on prie pour assister.

Pourtant, les chansons sont toujours exactement les mêmes. Les inédits ? Aucune surprise, ce sont des belles chansons qu'on rêvait d'entendre, avec la même émotion, le même phrasé, les mêmes intonations au bord de la fausse note, le même son criard. En concert, Jeff chante sa vie de la même façon, toujours avec la même hargne, mais entre un bootleg de 1997 et sa prestation à Occupy Wall Street il y a quelques mois, il n'y a aucune différence. A part les gens qui chantent en chœurs. Comme une communauté de croyants, dévoués et heureux, touchés par une grâce qu'eux seuls croient voir.

Rien de neuf, toujours les mêmes setlists, avec une cover de Roky Ericson ou de Daniel Johnston intercalé entre les chansons de Neutral Milk Hotel. La force de Jeff Mangum, dans cette histoire, c'est la nostalgie qui va avec ses chansons. La puissance des chansons, c'est le souvenir et l'impatience qui volaient autour. Ces chansons n'ont jamais été en vie que quelques années. Après, elles n'étaient que des souvenirs d'une époque révolue, elles existaient dans un coma confortable, entourées de la fumée aveuglante du mythe.

C'est parce que ses performances ont été fantasmées, que les chansons sont entrées dans les imaginaires, que les voir reprendre vie, presque dix ans après leur mort clinique, avec la même vitalité, la même envie de se répandre loin de l'usure des tournées, que Jeff Mangum n'a jamais perdu son statut d'idole. Un statut de mythe qui l'empêche de se réinventer, de donner plus que ces cinq chansons d'il y a quinze ans. Il est prisonnier de la nostalgie, alors il rejoue les mêmes concerts, encore et encore. Le piège du souvenir s'est refermé au moment même où il est réapparu. Alors, la seule chose que l'on puisse espérer, c'est qu'il disparaisse à nouveau, et qu'on garde son retour éphémère comme un beau souvenir, un souvenir qu'on a vécu plutôt qu'une image fabriquée par la passion.

Décembre.

2011-12-07T20:01:00.002+01:00

La playlist de Noël. Avec du Aphex, comme d'hab, les horreurs de Bob Dylan pour chanter ton beau sapin, des chansons belles, des chansons niaises, des trucs bizarres. L'esprit de Noël, en somme.
Bonne écoute !

decembre2011 by Brainfeeders and Mindfuckers on Grooveshark

בובע-מעשה (Bubbemeyses!) part. 9 : A Gilgul fun a Nign

2011-12-05T09:00:00.010+01:00

Rencontre avec Socalled à Lille, le 28 novembre

Il y a une vieille histoire juive, une de ces histoires dont on ne peut tester la véracité, une histoire qui se déforme au fil des années, de bouche en bouche. Un homme donc, arrive à Ellis Island, les yeux rivés sur New York. Comme beaucoup de juifs, il fuit son pays pour le rêve américain. On lui demande son nom de famille, préambule aux nombreuses questions posées par l'immigration. Il répond "My mother was called so". Ma mère était ainsi appelée. "Appelée comment ?" répond l'agent des douanes. "My motter was called so". Et ainsi de suite. Ou plutôt, "My mother was Kolsow". On pourrait aussi raconter l'arrivée de Sean Ferguson-Shayn Fargesn ("J'ai oublié", en yiddish), mais ce n'est pas le propos.

Avec cette histoire de grand-mère, on pourrait penser que Josh Dolgin est devenu Socalled à cause de cette blague. Pas du tout. L'histoire est bien différente. Josh aimait James Brown, la musique classique, le jazz et surtout le funk. Un jour, il a entendu Snoop Dogg et Dr Dre balançer leurs flows sur quelques instrus bien senties. Josh est devenu Heavy J, "un nom un peu nul" avoue-t-il. Le rap comme une évidence. Un compère de studio l'appelle "socalled Heavy J", il laissera tomber la deuxième partie de son nom pour garder le Socalled. "Soi-disant", et le nom est bien choisi.

Troubadour des temps modernes, à la fois MC, accordéoniste, photographe, pianiste et magicien, Josh Dolgin touche à tout. Comme s'il était un soi-disant rappeur, musicien, prestidigitateur ou qu'importe. Et dans l'histoire, il est aussi l'inventeur du hip hop klezmer. Quelque chose d'assez lourd à porter. Pourtant, l'itinéraire coule de source. Socalled découvre la musique juive par des moyens détournés, c'est le rap qui l'a amené au klezmer. Josh cherchait des sons à sampler pour faire du rap. Il est tombé au hasard sur un disque de théâtre yiddish, sur les chansons d'un cantor, et des mélodies hassidiques.

Et, doucement, il a tiré le fil et déroulé l'histoire de la musique juive. "J'ai commencé à collectionner d'autres disques, puis peu à peu, j'ai voulu en savoir plus sur cette musique. J'ai commencé à aller aux festivals et à rencontrer les gens qui en jouent encore aujourd'hui. Cool, cette musique vient d'Europe de l'Est, donc ça m'a ouvert les portes de la musique roumaine, serbe, ukrainienne, russe, bulgare et toutes ces musiques… La musique tzigane aussi, et toutes les influences du klezmer". Et cette culture a disparu. "Je récupérais des vieux vinyles pour trouver ces trésors inconnus de notre passé. On ne les entends ni dans les films, ni à la radio… Personne n'en parle ! Tout le monde connait Duke Ellington, mais qui a déjà entendu parler de Abe Schwartz ? Et de tous ces compositeurs qui ont écrit des chansons incroyables, de la poésie". Alors, à force d'utiliser ces mélodies comme fondation de son groove, Socalled redonne une vie à ces airs oubliés.

Quand on y réfléchit, la musique juive n'est pas si différente du hip hop. D'un ghetto à l'autre, d'Europe de l'Est au Bronx, c'est un peu la même histoire : faire de la musique avec ce qu'on a. "Les gosses n'avaient pas d'instruments, ils ont commencé à faire de la musique avec des platines, qui sont plus faites pour écouter de la musique qu'en jouer. Et parce qu'ils étaient créatifs, ils ont créé tout un art avec ce qu'ils avaient. Du graffiti, de la poésie, de la musique, de la danse… C'est incroyable, tout ça vient de rien. Et c'est souvent de là que viennent les trucs géniaux !".

Côté juif, c'est sensiblement la même chose. "Les juifs étaient intégrés de force dans l'armée . C'est là qu'ils ont eu des clarinettes, des trompettes ou des tambours… Ils devaient jouer dans les groupes de l'armée. Puis ils n'étaient pas vraiment autorisés à travailler, mais ils avaient le droit de jouer de la musique. Pas seulement pour les juifs, mais pour les populations non-juives aussi. Et dans ces conditions de misère et de souffrance, qu'est-ce que tu veux faire ? Tu veux t'amuser ? Tu veux faire la fête ? Alors tu fais une musique funky qui te fait danser pour des journées entières ! Des chansons que les gens peuvent chanter tous ensemble. Des chansons à boire, des chansons plus spirituelles…"

Et pour pousser la comparaison un cran plus loin, il y a les badkhonim. Dans un mariage, pour amuser son monde, un gars balance les rimes qui lui sortent par la tête sur un fond de musique. Il parle de la mariée, du marié, de la vie, des gens, de tout. De l'improvisation, "c'est exactement la même chose que le freestyle en hip hop".

A force de rechercher des samples, de s'intéresser à cette culture, Socalled en est devenu un des ambassadeurs. Il a maintenant une centaine de chansons en yiddish à son répertoire. Elles attendent gentiment dans un carnet d'être enregistrées.

Mais Josh procède en fait à un travail de fond. "La chanson UNLVD, c'est une mélodie hassidique. Tu ne penses pas "oh, c'est une mélodie hassidique !". Tu te dis "oh c'est une chanson bien prenante". Ou même, "You are Never alone" avec ses lai lai lai, c'est une chanson hassidique aussi. C'est plus facile à écouter si ça sonne familier. Avec un beat, ça devient familier sans diluer la puissance de la mélodie". Et tout ça joue sur le subconscient. Et peut-être qu'à force, cette musique oubliée regagnera ses lettres de noblesse.

D'ailleurs, le mouvement semble enclenché. Avec David Krakauer ou John Zorn, la musique juive a pris un tournant. Comme si elle se modernisait ; même au cinéma, on en entend. "Ce qui est cool, avec A Serious Man, c'est la chanson de Sedor Belusky qu'on entend tout le temps. C'est le premier film hollywoodien avec une vraie chanson yiddish dedans !". Pour la petite histoire, c'est Fyvush Finkel, figure emblématique du théâtre yiddish, qu'on voit dans le court-métrage qui précède le film. Et c'est Finkel qui est samplé sur le "Ikh Bin a Border" de Socalled. La boucle est bouclée, le yiddishland est un petit monde dans lequel chacun se débat pour sauver une langue, et surtout une culture. Lorin Sklamberg des Klezmatics rangent les enregistrements à New York, au YIVO Institute of Jewish Research, on stocke des livres que personne ne lira jamais à Amherst, au Yiddish Book Center. Mais la musique résonne encore.

Josh raconte cette histoire, A Gilgul Fun a Nign, la migration d'une mélodie. Cette mélodie, un paysan l'a entendu d'un berger qui sifflotait, il l'amène à la ville, où le Cantor l'entend à un mariage, et quelqu'un l'entends ensuite dans un théâtre et cette petite mélodie siffloté inconsciemment devient une vraie chanson, un standard. "C'est mon histoire" sourit-il. Et elle est bien loin d'être terminée.

Funeral Home.

2011-11-25T13:18:00.002+01:00

Pour patienter un peu, Jad Fair et Daniel Johnston t'expliquent que tu vas mourir un jour. C'est pas en rythme, c'est faux, c'est moche, mais c'est gigantesque.

Ketchup !

2011-11-18T22:41:00.000+01:00

Et si on rattrapait un peu notre retard avec quatre bons disques de cette année ?

Alpine Decline - Disappearance (Laitdbac Records)

Alpine Decline vient de Californie, l'état riche et bienheureux, la terre promise de verdure des Raisins de la Colère. Aujourd'hui, Alpine Decline est à Pékin, en Chine, en plein dans la fourmilière, là où les insignes clignotent sans jamais s'arrêter. Et si on y réfléchit, en plein milieu de ce Los Angeles - Pékin, il y a le Royaume-Uni, sa pluie et son shoegaze. Alpine Decline fait la synthèse de ces trois endroits, l'air de rien. Une puissance pop américaine dissimulée façon Deerhunter, les espaces aériens et le son comme un voile translucide de My Bloody Valentine, la démence addictive et le groove de Boris. Un mélange bien étrange théoriquement, mais concrètement très cohérent. Avec ses passages noise assez jouissifs comme de longues intros à des envolées rock. La puissance peut aussi être contenue, et le bruit devient alors une simple tapisserie pour une voix sensible sur des ballades Bradford Cox-ienne. D'ailleurs, Bradford Cox ne s'appelle-t-il pas Atlas Sound ? Après l'Atlas, les Alpes. Normal.
http://laitdbac.bandcamp.com/album/alpine-decline-disappearance

Radical Face - The Family Tree : Roots (Bear Machine)

Dans l'indifférence la plus générale possible, Ben Cooper se relance avec Radical Face, son petit bijou qui fait gagner beaucoup de sous à Nikkon avec ses woh oh oh. Sacré Ben Cooper, il prépare une trilogie, une famille arbre, avec les racines, les branches, puis les feuilles. Sauf qu'il va vite se confronter à un problème. Cooper n'a qu'une mélodie dans sa vie. Il a dû la trouver, se faire charmer par elle, sa puissance est telle qu'il ne peut s'en défaire. Alors il la joue ad libitum. Sur chaque chanson, les mêmes intonations, les mêmes wouhou, les mêmes rythmiques que "Welcome Home, Son". Il y ajoute quelques notes de piano pour broder. Le tronc de son histoire d'arbre, c'est donc cette sensibilité, c'est sa petite musique. Et, avouons qu'elle est tellement jolie qu'on se fait avoir quoiqu'il arrive. Ben Cooper rentre chez lui, l'enfant prodigue retrouver ses confortables chaussons : sa musique aussi accueillante qu'une cabane dans un arbre. Nostalgie inclue.

Void - Sessions 1981-83 (Dischord)

C'est un peu la même chose que pour Radical Face, mais dans un registre tout à fait différent. 81-83, les années magiques du punk hardcore, où il fait bon de se prendre Minor Threat et The Teen Idles en pleine face. Et comme Ben Cooper a sa mélodie, le label Dischord a son identité. Un punk hardcore sans concession, rapide, violent, arrogant, fait pour provoquer la révolte dans les cœurs d'adolescents. En soi, c'est pas vraiment différent de tout ce qu'on connait de Ian Mackaye. Ça reste sommaire, straight edge et ça défoule. Mais, qu'importe, du punk hardcore façon Dischord satisfait toujours, même les plus exigeants. Alors quand on vous ressort les sessions du début des années 80 de Void, ce n'est que du bonheur. Dischord résume l'affaire ainsi : "When Void started a song it was as if each member was playing his own parts as fast as humanly possible, but not necessarily together. While to some it may have seemed like complete cacophony, to those in the know it was music on a higher level". Eh, c'est l'intention qui compte.

FaltyDL - Atlantis EP (Ninja Tune)

FaltyDL à la rescousse ! De Planet-Mu à Ninja Tune, FaltyDL a décidé de réveiller le label du Ninja moribond (eh non, même Amon Tobin n'y fait plus rien de bien), à grands coups de hi-hats et quatre notes de synthé. Drew Lustman tape toujours dans ce dubstep qui décline doucement mais sûrement, mais avec une certaine distance et une aisance que les autres n'ont pas. Il va voir du côté de chez son pote Four Tet, et développe une sensualité et une envie qui rappelleront les sommets de Love is a Liability. Bon, il ne résiste pas à quelques petites voix filtrées façon UK Garage dont on se passerait bien. Tout comme ce second titre qui rappellerait presque James Blake par moment (enfin, infiniment moins pire quand même). A part ce premier titre de très bonne qualité, pas mal de choses dispensables dans cet EP quand même agréable. On appréciera tout de même le geste sympa envers Ninja Tune.

Turned off

2011-11-08T23:09:00.002+01:00

Klang sonne comme une rupture, le contraste entre deux états, la nudité d'un instrument face au silence, le détail d'une imperfection, la simplicité. En 1999, Donna Matthews romps avec Elastica pour donner naissance quelques années plus tard à son nouveau groupe : Klang.

C'est un cheminement vers l'essentiel, le minimalisme, le mouvement perpetuel d'une mélodie, un rythme. Tout se ralentit, le silence se fait, le regard se perd. "No Sound Is Heard" ressemble à une absence, ce moment ou on peut comtempler avec admiration un détail insignifiant ou simplement couper ses sens et s'enfermer dans un cocon imaginaire. Une musique qui accompagne le silence et stoppe le temps, du slo-fi hypnotisant ; souvent une simple boucle, légère comme une boule de poussière qu'on balaie, qui sert de support à des arrangements simples et métalliques, sortis d'un tiroir longtemps oublié où ils commencaient à rouiller. La voix de Donna Matthews, aérienne, est portée par cette petite procession poussiéreuse et imperturbable.

Novembre.

2011-11-08T21:14:00.000+01:00

Il fait nuit tout le temps, en novembre. Alors une petite playlist pour se réchauffer. Y a plein de trucs biens dedans, mais j'ai pas le courage de les détailler.

Jetlag.

2011-11-03T14:08:00.000+01:00

L'an dernier, The Black Dog s'amusait à recréer les dédales sonores des aéroports. Plus qu'un hommage à Brian Eno, c'était l'angoisse qu'ils agençaient, à grands coups de bruits de fond flous et de palpitations comme le brouhaha d'un terminal. Entre les retards incessants, les annonces ininterrompues et le manque de sommeil, Music for Real Airports était assez anxiogène pour rappeler les dizaines d'heures perdues en translation dans les aéroports, dans ces tubes de fer qui volent et dans diverses gares. Mais il manquait quelque chose, et à y regarder de plus près, c'était très simple. Si les aéroports sont ces rouleaux compresseurs, ces catalyseurs de migraines, pourquoi s'infliger un album qui reproduit cet état ?

Tout ce que l'on cherche dans ces éternités d'attente, c'est à tuer le temps, c'est fuir ces bruits continus qui s'abattent sur les oreilles. Il y a de nombreux moyens pour se vider la tête. Un magazine un peu idiot, un bon livre, se cacher derrière son ordinateur, et l'indéboulonnable musique, à jouer plus fort que les sons d'ambiance trop réels de l'aéroport. Paradoxalement, on ajoute une couche de bruit au bruit, on offre une opportunité de plus aux maux de tête de s'infiltrer dans le cerveau, mais la musique a ici quelque chose de salutaire : elle distrait. Dans ces états de fatigue extrême, elle est une porte de sortie. Elle est un moyen de s'échapper du tohu-bohu. On se concentre sur ce qu'on écoute, on y réfléchit, on se retrouve bizarrement à esquisser quelques hochements de têtes et quelques déhanchés.

Alors, comme pour se rattraper d'avoir infliger au monde entier les angoisses du voyage avec leur album précédent, The Black Dog se reprend sur Liber Dogma, comme s'ils avaient compris que la véritable musique des aéroports, c'est celle qu'on écoute au-dessus du bruit. Il faut que celle-ci soit parfaitement lisible pour ne pas se confondre avec l'ambiance alentour, les bips et les annonces de voix mécaniques. Il faut aussi qu'elle soit dense et grave, pour recouvrir complètement le bruit de fond. Enfin et surtout, il faut que cette musique soit assez entrainante pour vous permettre d'oublier où vous êtes, que vous attendez depuis deux heures que votre compagnie vous donne un signe de vie, que le personnel de l'aéroport nettoie la neige de la piste de décollage ou simplement que l'interminable ligne d'attente bouge d'un millimètre.

Liber Dogma balance alors sa techno puissante comme une évidence. Peut-être bien que je suis là depuis des heures, complètement à bout, fatigué d'être assis, les jambes endolories et des cernes aussi noires que l'asphalte, mais dans mes oreilles, il se passe quelque chose de plus fort. Les beats prennent le dessus sur la fatigue, on retrouve presque ces sensations magiques de fin de festivals, où qu'importe le rythme, on danse de la même façon, comme un robot. Liber Dogma tapisse sa marche infernale de petits détails qui fabriquent l'addiction, une orfèvrerie assez discrète mais primordiale, comme si Autechre tapait dans la techno. Cette précision du glitch, ce sens du détail forme un ensemble plus grand et imparable, comme si The Black Dog, sans même le vouloir, avait inventé la "Music to forget you're stuck in a real airport".

The Black Dog a donc sorti le 24 octobre dernier son Liber Dogma chez Soma Recordings. Et même si ça ne dure qu'une petite heure, ça reste une petite d'heure d'attente tuée.

The doors of Perception.

2011-10-29T22:30:00.000+02:00

La parallaxe, c'est l'influence du mouvement, c'est la perception d'un objet qui change parce que la position a changé. C'est regarder d'un autre angle et ressentir différemment. C'est une histoire de subjectivité pure. La réalité reste ce qu'elle est, un bloc immuable et qui n'évolue que dans un sens, si elle évolue. La parallaxe, c'est un regard neuf, c'est court-circuiter la réalité en tant que telle, c'est lui offrir un visage nouveau. C'est refuser de suivre le courant et de se résigner à une seule vision. La parallaxe, finalement, c'est l'incarnation de l'idéalisme, un mouvement perpétuel qui permet de toujours croire. On tourne et on tourne, on reconsidère sans arrêt, comme un déni flagrant de réalité.

Bradford Cox serait le roi de la parallaxe. Il est l'incarnation de ce paradoxe entre l'immuable et le mouvement. Les choses restent les mêmes, seule la façon de les regarder change. L'objet immobile, c'est lui-même. C'est sa voix, sa perception de la musique, ses mélodies, son approche des mots, sa façon de les étirer. Le monolithe, c'est sa musique. Au commencement, elle était bruyante, noyée dans des élans de saturations et d'effets. C'était la folie de Cryptograms et la force du mur du son, un grand classique remis au goût du jour par Deerhunter dix ans après Sonic Youth. Et peu à peu, Deerhunter s'est épuré. Microcastle et sa pop, son "Agoraphobia" bien trop tubesque pour extirper la cire des oreilles comme avant. Halcyon Digest en point d'orgue de cette évolution, Deerhunter n'est plus le groupe aventureux d'antan. Mais il y a une constante dans l'histoire : la force de la musique, qu'importe sa forme. Si la musique de Bradford Cox devient plus lisible, elle demeure la même. Elle est hantée de la même sensibilité, qu'importe le niveau de distortion.

On pourrait appliquer le même cheminement à Atlas Sound. Seul, Bradford Cox s'est amusé à expérimenter. On se noyait de bonheur dans Logos, on se perdait dans ses Bedroom Databank, entre expérimentations parfois peu intéressantes et chansons folk à fendre le cœur. Parallax conclue la route. Bradford Cox opère un nouveau changement de perception sur la même entité : sa sensibilité. Oui, Parallax est bien gentil, clair et lisible. Il est un album trop facile, trop catchy. Danser aisément sur "Angel is Broken", pleurer aussi, un peu, sur "Te Amo". Mais l'important est bien ailleurs. Parce que, qu'importe la forme, le fond demeure le même. C'est Bradford Cox qui chante la bande son de n'importe quel état d'âme, n'importe laquelle des humeurs, comme s'il sondait les sentiments mieux que tout le monde, savait les exprimer en trois accords et quelques mots. C'est toujours la fibre même sa musique qui s'impose.

Bradford Cox ne cesse jamais d'opérer parallaxes sur parallaxes. Il offre toujours un regard nouveau sur ce qui, au fond, reste profondément identique. Et nous, dans l'histoire, on a beau regarder cela dans tous les sens, on se retrouve toujours les bras ballants devant une telle sensibilité. Alors on abandonne lentement nos analyses trop poussées sur Bradford Cox. Tant qu'on ressent sa sensibilité résonner au plus profond de son ventre, les attraits de sa musique n'importent pas. Et c'est ça le plus beau, dans ces histoires de perceptions. A la fin, on finit par oublier toutes ces histoires de parallaxe. Au lieu de remodeler la réalité en changeant d'angle, on ferme les yeux et on l'embrasse totalement.

Bradford Cox offre Parrallax chez 4AD. La preuve que Bradford Cox ne tourne plus autour du sujet et va directement à l'essentiel.

Things Have Changed.

2011-10-18T10:00:00.003+02:00

Bob Dylan - Le Zénith Arena, Lille, le 16 octobre 2011

"It's halloween today, I have my Bob Dylan mask on"

C'était un soir de 1964, au Philharmonic Hall de New York. Dylan a encore les cheveux fous et le regard flou. Il joue encore de la guitare, enchaîne mécaniquement les accords, enfile les blagues absurdes et manque d'exploser de rire après chaque vers qu'il déclame. Bob Dylan s'amuse terriblement sur la scène, avec ou sans Joan Baez, et il instaure une distance vis-à-vis de l'audience avec son humour. La musique est si simple et spontanée que des larmes de bonheur.

C'est le masque qu'il revêt en 64, le masque de Bob Dylan, jeune premier joufflu, meneur d'une révolution fantasmée, pourfendeur imaginaire d'inégalités réelles, prophète trop timide pour dire la vérité. Ce masque lui va si bien qu'il le gardera des années. Les traits évolueront légèrement. Les joues se creuseront avec la drogue, les cheveux pousseront de manière encore plus désorganisée, le regard ne cessera de s'embuer avec les années.

Il rendra ce masque un jour de juillet 1966. Une moto dans le fossé et Bob Dylan redevient Robert Allen Zimmerman, son visage change. La barbe apparait, le chapeau aussi. The Rolling Thunder Revue commence, et Dylan devient un "entertainer", quelqu'un qui fait danser les gens en chantant faux, en hurlant, avec sa troupe de joyeux troubadours. Maquillé, bariolé, Dylan se masque à nouveau, d'une couche d'artifices bien visibles, cette fois, comme pour affirmer cette distance grandissante entre lui et ses adorateurs.

Cette distance, c'est la clé du personnage. Pas de l'homme. Dylan a toujours été dans la mise en scène. De grand comique à clown chantant, de 1964 à 1976, il a embrassé de nombreuses formes pour tromper, pour semer la confusion, pour fuir. Il se convertit au catholicisme comme un ultime pied de nez, il énerve avec ses albums, il impose le trouble. En 1979, la question devient évidente avec Live at Budokan : pourquoi tourne-t-il encore ? Pourquoi arpente-t-il toujours les planches, alors que sa voix est encore plus insupportable que d'habitude, qu'il transforme ses chansons et qu'elles deviennent impossibles à reconnaitre. Un pourquoi qu'il traîne depuis le début du Never Ending Tour, la tournée sans fin, entamée en 1988, et qui s'arrêtera en même temps que le cœur usé du gamin de Duluth, Minnesota.

2011, Dylan tourne toujours. Il n'arrête jamais. Adieu les épis ébouriffés, adieu les lunettes de soleil. Il a maintenant un chapeau blanc enfoncé sur la tête. L'archétype du new yorkais est devenu un riche propriétaire terrien du sud, avec des touches de gringos, une sorte de Don Diego de la Vega moderne, sans le masque de Zorro. Ce masque, on y revient toujours. Mais ce nouveau visage de Bob Dylan, tellement loin des années 60 qu'on pleure qu'importe notre âge, sème le doute. Est-ce vraiment Bob Dylan ? Est-ce vraiment celui qui me fait pleurer quand j'écoute ses concerts de 1966, avec ses Visions of Johanna et ses Just Like a Woman ? Non. Les choses ont changé, le temps a passé, Bob Dylan est un autre. Il n'a plus son "Bob Dylan mask" d'antan, il est ailleurs.

Une fois de plus, il marque la distance. Il était maladroit et timide avant, maintenant, fort de ses cinquante années de carrière et de tournées, il n'en a que faire des gens. Il arrivera sur scène, ne débitera pas un mot, pas un bonjour, pas un au revoir, pas un merci. Il présentera rapidement ses musiciens, simplement par politesse. Enchaîner ensuite les chansons, rapidement, sans grâce, sans génie. Et si, finalement, Bob Dylan n'était pas arrivé, avec ce Never Ending Tour, à ce qu'il a toujours voulu : faire du rock'n'roll et du blues comme Chuck Berry et Hank Williams. Habillé comme le plus beaux des escrocs, il s'amuse sur scène, les jambes écartées, l'harmonica dans une main, le micro dans l'autre, il débite ses chansons sans rythme précis. Les vestes blanches de son groupe rappellent les pires moments des orchestres de mariage. Toutes ses chansons, tous les hymnes folk deviennent des blues entêtants. C'est sur ce terreau bien noir que Robert Zimmerman s'amuse. Il est là pour son bon plaisir, à hurler sur "Jolene". Il ne touchera pas une guitare du concert. Il se contentera de son clavier au son d'orgue et de son harmonica pour envoyer son blues et devenir ce qu'il a toujours rêvé d'être : un entertainer, rien de plus.

Alors, à chaud, on se dit qu'on a perdu son idole. La grâce sera frôlée avec un "Not Dark Yet", mais on a quand même envie de pleurer sur Blonde on Blonde et "Gates of Eden". On aurait aimé entendre "With God on Our Side" ou "Desolation Row", on aura un "Things Have Changed" et un "Forever Young" comme réponse. Bob Dylan est en perpétuel mouvement, il s'assure de demeurer insaisissable. Comme s'il assénait au monde entier un : "les temps changent, mes bons, arrêtez de vous lamenter sur mon passé disparu". Bob Dylan revient à sa jeunesse, 50 ans après ses débuts. Il est ce "Mr Tambourine Man", prêt à jouer alors que les empires s'affaissent, que les fleurs fanent et que les idoles meurent. Et la réponse au pourquoi qui nous hante devient alors évidente : s'il est encore sur scène aujourd'hui, c'est simplement parce que c'est là qu'il existe encore. Bob Dylan est plus qu'un potentiel prix Nobel, il est plus qu'une idole rouillée qui déçoit sans cesse en concert, il est enfin ce danceman que la scène garde en vie.

Comeback Thursday.

2011-10-17T21:42:00.000+02:00

Il y a toujours un vilain doute derrière les reformations. Toujours l'ombre du mesquin plan financier, se remettre ensemble pour s'en coller plein les poches. Les Pixies, Leonard Cohen, et tous ces tristes exemples de retours ratés sur la scène et sur disque ont occulté des réussites tonitruantes. Swans l'an dernier, qui a déchaîné les Dieux sur album et live ensuite, par exemple. My Bloody Valentine qui, malgré l'âge, balance toujours les 130 décibels syndicaux.

Il faudrait donc connaître les raisons profondes des reformations. Refaire de la musique ensemble paraît la plus logique. Mais il faut croire qu'elle est rarement le moteur de ces tournées, ces retours après des années de silence. Parce que souvent, les artistes en question continuent d'arpenter les salles sous leurs noms. C'est ce qu'avait fait Troy Von Balthazar après la fin de Chokebore. Deux excellents albums, et un retour à Chokebore. Ce n'est rien de le dire, il est la pierre angulaire du groupe. C'est sa voix pleine de tourments et de vagues qui insuffle à Chokebore sa force émotionnelle.

Le paradoxe, c'est qu'on retrouvait ces constantes sur les travaux solos de Troy. Alors, pourquoi un retour à Chokebore ? Simplement parce que l'équilibre sur le fil, un pied dans le vide et l'autre solidement attaché, n'existe qu'avec un groupe. Se mettre en danger, aller chercher chez les autres les limites même de sa musique, la remettre en question. Et on retombe sur Swans. Sur scène, Michael Gira lance des regards noirs à ses musiciens, il les fusille, les presse, il extirpe d'eux toute leur énergie, toute leur force. Il fait tout pour les faire exploser. Et la violence des concerts, l'extrême force de Swans, vient de là. Elle vient du groupe. C'est ensemble qu'on va le plus loin.
La différence entre Troy Von Balthazar seul et avec Chokebore est là. Sa musique devient plus ardente et brûlante, et l'on pleure sur les illuminations habituelles qui parsèment les sombres accords des guitares. Après tout, qu'ils fassent ça pour l'argent ou pour la beauté du geste, qu'importe, tant que l'illumination demeure.

Avec un nouvel EP, Falls Best, chez Vicious Circle, Chokebore retrouve son équilibre précaire, et donc sa force première.

Octobre.

2011-10-10T14:55:00.001+02:00

Pour cette petite playlist d'octobre, on vous a mis un peu de nouveautés avec l'excellent nouveau titre de Four Tet, un titre du nouveau Martyn, du dubstep tout bête de chez Brainfeeder, du Kuedo, nouvelle sortie chez Planet-Mu et un titre du dernier Walls chez Kompakt (que des beaux labels quoi). Et pour compenser les obscures choses que Vianney met toujours (Orphx, c'est super chouette), un peu de Lou Reed, un titre magnifique de Thanksgiving le pote de Phil Elvrum, et une cover de Daniel Johnston par David Snug. C'est super underground. Avec cette playlist, tu pourras briller en société.
Alors, la bonne écoute.

The Departed.

2011-10-07T23:21:00.002+02:00

Petit plaisir coupable.
Donc, j'étais à Boston il y a quelques mois. Sur les City Hall Plaza Stairs, une bande comme ça. Ils arborent tous des t-shirts Star Gang, et la casquette des Red Sox, accessoires obligatoires. Pour des raisons pas très intéressantes, je me retrouve à papoter avec ces gars là. L'un d'eux me dit "mec, si t'aimes bien le hip hop, si t'aimes bien le bon son, check le gars là, et retiens ce nom : Moufy". Il mime "Moufy", comme "mouth" en pointant sa bouche. J'essaie donc de retenir. Il continue avec un "si vous aimez bien fumer un peu d'herbe, vous vous faites un pétard, et vous écoutez ça, ce serait mortel", et il commence cette petite danse un peu ridicule.
Une fois rentré, j'ai totalement oublié le nom, mais pas la rencontre. Alors je me creuse les méninges pour essayer de retrouver. Il m'aura fallu quelques semaines, à arpenter les recherches aléatoires sur youtube. Et enfin, j'ai trouvé. Au départ, je trouvais ça un peu ridicule, pas très bon, pas très inventif. Mais le côté "j'ai ma casquette des Red Sox vissée sur la tête" quoiqu'il arrive m'a plu.

Mais voilà, à force on s'y fait. Ce "Boston Lights" incarne le hip hop primitif, un peu de groove, une instru totalement artificielle façon foire du trône à Hondschoote, et un discours primaire chantant l'amour de Boston, on l'a au corps, on la défend, "Massachussets til I die". Une idée de gang, des frères jusqu'à la mort convoqué par Boston pour crier haut les couleurs de la ville. C'est assez étonnant l'attachement profond pour Boston. La ville est agréable, certes, mais là-bas, tout le monde a sa casquette au B rouge, les affiches félicitant les Bruins pour la Stanley Cup sont partout, Kevin Garnett te vend des glaces sur des panneaux publicitaires. Boston, ville sportive, et surtout ville de supporters fidèles. Et le sport, c'est le moyen d'exprimer son espèce de patriotisme pour sa ville. C'est bête, mais assez frappant tellement la passion est débordante. Tout est résumé par un radical : "You ain't got no sense of pride we don't want you on our side !".

Moufy a un album, en téléchargement gratos (ici), que vous pouvez d'ailleurs éviter d'écouter tellement c'est moyen. Sauf que "Boston Lights" et sa fougue, son taux de haine parfait, qui débite des âneries sur comment Boston c'est la meilleure ville du monde, je trouve ça sacrément cool. Bon ? Non. Juste cool. Puis "New England what's up ?", hein.

The Rough and the Smooth.

2011-10-06T00:05:00.001+02:00

Il fut un temps où Skinny Puppy était une montagne sèche comme un volcan après une éruption. Leur son était râpeux, acide et âpre, la voix de Nivek Ogre, derrière des effets étranges, devenaient une incantation captivante et terrifiante, qui émanait des micro fissures du magma, du plus profond de la terre, de l'endroit où l'on fricoterait avec le diable. Dans la galaxie indus des Ministry, des Einsturzende Neübauten et des Nine Inch Nails à venir, Skinny Puppy avait une force tellurique qui se développait l'air de rien, dans le minimalisme de sa musique. C'était violent et martial, et surtout hanté.

"Tout fout le camps". La violence s'efface petit à petit. Avec l'âge ? Avec d'autres envies ? Je n'ai aucune réponse. Impossible d'expliquer pourquoi Trent Reznor a pris le chemin de With Teeth, véritable détartrage de sa musique autrefois pleine de sueur, de cuir et de sons aussi artificiels que charnels. Nine Inch Nails s'est petit à petit lissé et fané, au profit de nappes communes, d'un son labellisé Reznor, avec les trois notes habituelles et toujours la même approche de la musique, la rage en moins.

Ministry a tué sa musique avec son engagement. Al Jourgensen a privilégié son discours anti-Bush, remixé Carmina Burana pour la cause, et s'est perdu dans des délires potaches, bien loin des tourbillons malsains de Psalm 69 et du terrifiant The Dark Side of the Spoon. Les ambiances ont disparu et Ministry a rangé ses infra-basses au placard, pour sortir une sorte de metal commun et sans saveur.

C'est une chose un peu effrayante à dire, mais l'indus est peut-être mort. Il était peut-être déterminé à vivre dans les années 80, avant de disparaître doucement dans les limbes du trop produit et trop travaillé. L'indus a perdu son instantanéité, il puisait sa force dans cet amour du bruit et du parasite. Maintenant, comme si les ordinateurs et les belles technologies et machines l'en empêchait, la musique industrielle ne peut plus se permettre de froisser les tympans de l'auditeur. La violence se dilue alors dans des sons électroniques déjà explorées par la techno, le dubstep ou l'EBM. Restent les voix, qui, malgré toute l'envie du monde, paraissent bien fades sur ces couches de bruits sans haine qui les anime.

On écoute alors le Handover de Skinny Puppy en espérant retrouver cette décadente violence, ce goût pour le malsain. Et on trouve quelque chose de troublant, d'entre-deux eaux. Peut-être parce que l'indus est inscrit dans les 80s, et sonne vraiment daté aujourd'hui. Simplement parce qu'il n'y a plus les mêmes intentions derrière, mais que la musique est restée sensiblement la même. Les rythmes martiaux demeurent, la façon de scander des refrains aussi, mais il n'y plus cette foi inaltérable, le véritable moteur à la fascination. Quelques notes font se dresser les oreilles dans ce Handover, parfois. Mais finalement, ce ne sont que des réminiscences d'un temps où Skinny Puppy était rugueux comme une feuille de papier de verre. Paradoxe ultime : c'est avec la rugosité d'un papier de verre qu'on lisse une surface. Et à force de poncer, on en devient lisse. La voilà, l'explication.

Skinny Puppy sort son Handover, attendu depuis 2009, chez SPV. Une triste histoire du temps qui passe.

בובע-מעשה (Bubbemeyses!) part. 8.5 : The Klezmatics.

2011-10-04T14:39:00.000+02:00

Pas un vrai Bubbemeyses, mais une petite vidéo filmée par la NPR, un petit concert dans une bibliothèque, avec les Klezmatics, leur amour de Woody Guthrie (ils viennent de mettre en musique deux de ses textes) et du yiddish, avec la merveilleuse voix de Lorin Sklamberg, une chanson de Vilnius, une belle chanson, une chanson où l'on boit pour oublier la guerre. Avec de la clarinette, de l'accordéon, du saxophone et des flonflons. Et des laï-laï-laï. Des chansons yiddish, en somme.

בובע-מעשה (Bubbemeyses!) part. 8 : Leshone Toyve !

2011-09-28T20:49:00.000+02:00

En yiddish, il y a une tradition qui résume assez bien l'état d'esprit et les défauts des juifs. Quand quelqu'un vous souhaite : "אַ גוט מאָרגענ" (a gut morgen, bonjour donc), il faut répondre "אַ גוט יאָר" (a gut yor, une bonne année). Parce qu'en réalité, il faut toujours souhaiter plus à celui qui vous souhaite quelque chose. Il faut toujours exagérer et en rajouter, jusqu'à transformer une matinée en année. Et comme ça, on conjure le mauvais œil. Et peut-être que si l'année est bonne, le messie va arriver.
Parce que ça fait 5772 que les juifs l'attendent, le messie. Ça remet en perspective les bonnes années qu'on a souhaité des milliers de fois juste pour répondre à un bonjour.

Cette nuit du 28 au 29 septembre, c'est Rosh Hashanah, la nouvelle année. Alors deux petites chansons, pour rire, pour la route. Une en yiddish, le "Leshone Toyve" qui souhaite la bonne année.
Et ensuite, le Shana Tovah, le classique, en hébreu. Et tout ça, c'est juste pour patienter avant l'épisode prochain sur Yom Kippur.

Leshone toyve, donc !

Leshone Toyve by yiddishsongs

Shana Tovah by yiddishsongs

It's-been-a-long-time Toy Warning

2011-09-22T23:26:00.001+02:00

Flotation Toy Warning (rencontre et concert) - Hospice d'Havré, Tourcoing

Le 10 septembre 2011

Il y a parfois un fossé entre la représentation d’un groupe, son aura et son image, et le groupe lui-même. Le contraste est saisissant entre les mains tremblantes et avides de l’adepte de Flotation Toy Warning et les mains tremblantes que les musiciens cachent. En arrivant dans le hall de la salle, quelqu’un demande s’il reste des places. La surprise est immense : oui, il reste des billets. Comme si le groupe était un mythe, comme si toute la métropole lilloise s’y retrouverait. C’est une évidence, Flotation Toy Warning fait partie de la catégorie des groupes qu’on adule. L’excitation est palpable, tout le monde se retrouve dans la – petite – salle et partage sa passion de ce secret qui n’en est pas un. Flotation Toy Warning a autour de lui le halo de l’adoration d’une communauté ébahie par Bluffer’s Guide to The Flight Deck. Et, après des années de silence radio, Flotation Toy Warning prend aussi la pression du retour.

L’attente est indéfinissable. Tout le monde se croit comme dans un rêve, tout le monde se dit « enfin ». Derrière, le groupe se prépare tranquillement. Ils n’ont pas l’air stressé. Ils expliquent qu’ils sont excités à l’idée de rejouer après près de six ans d’absence. D’autant plus dans un pays où on les a toujours soutenus, que ce soit le label Talitres ou les admirateurs anonymes, ceux qui s’extasient juste en entendant prononcer le nom du groupe. Le culte autour de ce groupe reste flou. C’est sûrement ce choix de disparaître juste après être apparu, retourner dans l’ombre pour se protéger. Personne n’a pourtant oublié. Et ce retour apparait alors comme un miracle. Paul Carter le dira lui-même, juste avant d’entrer sur scène : « It’s-been-a-long-time Toy Warning ».

Avant cette plongée dans la lumière après des années dans une ombre confortable, il fallait poser la question fatidique. Celle que tout le monde a sur les lèvres, depuis six ans maintenant. La réponse fait trembler d’impatience. Il fallait commencer par le terrible « alors, à quand le nouvel album ? ». « No comment ». Parce qu’on le sait, on s’est fait une raison, Talitres sortira d’abord cinq jolis 45 tours, qui donneront naissance à l’album par la suite. Une date ? Bientôt, ou un jour, qu’importe. Mais alors, où étaient-ils pendant tout ce temps ? Ils ont exploré. Explorer autre chose, découvrir du nouveau, et surtout se ressourcer. L’obsession de la perfection, passer deux semaines pour être satisfait d’une seule mesure d’une seule chanson, travailler sa musique jusqu’à s’en écœurer. Flotation Toy Warning a été jusque ce point de non-retour. La perfection de Bluffer’s Guide to the Flight Desk a été comme une punition pour eux. Alors ils ont exploré. L’un est parti faire un film, l’autre a pris du temps pour restaurer de vieux livres, ils ont fait des enfants, ils ont vécu une vraie vie, sans jamais totalement s’éloigner de la musique, mais surtout sans devoir repousser les deadlines sans arrêt, sans devoir bloquer les idées, les empêcher de grandir dans leurs esprits. Il ont eu besoin de presque trois ans de pause, pour pouvoir recommencer à travailler ensemble, à jouer ensemble et surtout à prendre du plaisir ensemble.

Les idées de Flotation Toy Warning sont toujours les mêmes, ils avouent ne jamais se forcer, ils laissent leurs imaginations faire leur musique. Même six ans après, on contemple toujours les mêmes atours, ces reverbs aqueuses et ces chants possédés, ses mélodies filantes. Leurs consciences ne leur dictent rien, c’est leur credo. Paul Carter explique que sur le prochain album, il y aura des titres plus joyeux, parce qu’ils sont plus joyeux maintenant. « Même si ce concept reste bien subjectif » amende Nainesh, le guitariste. C’est aussi simple que ça. Ils sont aussi libres que perfectionnistes, et c’est peut-être là que naît la magie de leur musique. On se dit alors que, quoiqu’il arrive, la patience paiera.

Ils s’avancent donc sur la scène à même le sol de la salle. Ils n’ont pas joué depuis six ans, ils lancent le concert. Un sample commence. La batterie entre, et après une petite erreur de Paul Carter, qui avait commencé à chanter trop tôt, tout se cale. Les premières mesures de cette chanson décrivent tout le concert. Ils sont là, se sourient et c’est tout. On sent le bonheur de jouer ensemble transpirer dans chaque souffle, enfin, après tant de temps. Ils restent profondément accrochés à leurs chansons, ils ne prennent aucun détour. Rien de nouveau et quelques erreurs, certes. Un concert scolaire, certes. Mais l’important est ailleurs, il est dans la renaissance du groupe. Dès qu’il ne chante pas, Paul Carter contemple ses chaussures, la main sur le pied de micro. La tête basse, on l’imagine bien repenser à toutes ces années, à son premier concert avec son groupe, à sa première chanson. Et ce sentiment de retrouvailles irradie la salle.

La boucle est bouclée quand ils concluent le concert sur « Even Fantastica », le titre originel, la fondation du groupe. Les souvenirs remontent, c’est comme une victoire sur l’attente, sur l’obsession qui a tourné à l’écœurement. C’est la joie retrouvée, pour le groupe comme pour le public.

Les gens restent, attendent le groupe dans le petit hall. Ils arrivent, et tout le monde vient leur exprimer des « merci », lancer des compliments. Le concert n’était pas le concert le plus intense de l’histoire, ce n’était pas le plus beau, mais il venait couronner une attente longue de six ans. Alors tout le monde se retrouve comme une bande d’amis, on s’étreint presque, on demande des photos avec le groupe. En continuant la discussion entamée avant le concert dans les loges, le stress évaporé, le sentiment se confirme, ils sont bien là parce qu’ils en avaient envie. Parce qu’ils sont toujours mus par la même envie qu’au début, quand ils envoyaient des cassettes avec des titres de Neutral Milk Hotel pour obtenir un local de répétition.

Alors, le fossé entre le groupe et sa représentation chez ses adorateurs s’affaisse. Chacun a actualisé sa vision de son mythe. Flotation Toy Warning est peut-être un mythe de la musique indé, ils ont sûrement une aura dramatique à porter. Mais ils n’en sont pas conscient, ils préfèrent faire confiance à leurs imaginations et leur envie, et se laisser danser avec les vagues sur leurs lignes de flottaison, loin des heurts où ils ont failli se noyer il y a six ans maintenant.

Mr. Avantgarde Folk

2011-09-21T20:43:00.001+02:00

Il y a quelque chose d'incroyablement moderne et à la fois traditionnel dans la musique de Kardeş Türküler tout comme dans leur pays d'origine, la Turquie, et plus particulièrement Istanbul, carrefour culturel en constante mutation.

La troupe folklorique à géométrie variable formée à l'université d'Istanbul en 1993 s'est démarqué des autres troupes universitaires par son métissage musical en célébrant la diversité ethnique de la turquie, mais aussi en réussissant l'exploit de moderniser ce cocktail culturel sans passer par des mélanges faciles mais réellement en poussant la musique traditionnelle à un autre niveau, une sensibilité plus en phase avec le présent.

Çocuk Haklı paru cette année est extrèmement riche en sons et humeurs ; envoutant, étonnant et énergisant

Oedipe Roi.

2011-09-20T11:54:00.001+02:00

Quelques siècles avant l'an zéro, Delphes trônait au milieu de la Grèce Antique. Comme chaque cité grecque, Delphes est entourée de mythologie. Elle serait la ville d'Apollon, lieu symbolique et centre névralgique qui abrite la Pythie, cette jeune vierge en équilibre sur un piédestal, juste au-dessus d'une fissure magique d'où émane des vapeurs toxiques. Cette jeune inculte transmet la parole des Dieux. On la consulte souvent, pour tenter d'apprendre sur le futur, pour entendre des conseils et se rassurer. La Pythie est une de ces oracles, de ces fantasmes magiques dotés de dons et du venin de la vérité. Ce n'est pourtant qu'une jeune demoiselle que quelques pontes religieux maltraitent et utilisent, mais elle est nécessaire. Son importance vient du flou de ses discours, de l'impossibilité de la voir, du mystère qui l'entoure. Une petite voix aussi terrifiante que cristalline qui annonce de tristes nouvelles dans des volutes de fumée. La visite à la Pythie est codifiée comme un rite, et quoiqu'elle annonce, les grecs s'y accoutument et font avec, parce qu'elle a des forces magiques. Et tout est là.

Mais si on y regarde de plus près, la Pythie est une belle arnaque. Un peu de poudre aux yeux. On met une jeune idiote derrière un voile, on la drogue un peu avec quelques fumées hallucinogènes et ses messages seront assez flous et fous pour que tout le monde puisse y trouver son compte. L'émotion de se retrouver face à la Pythie vient de la mythologie qu'on lui a construit, de son aura. Même si son message ne tient pas debout, s'il est totalement arbitraire et ridicule, il est plausible et fort. Parce que c'est la Pythie.

Plaid est comme la Pythie, il est au centre du temple Warp, entouré de buée et de fumée noire. Disparu, revenu, Plaid scintille à nouveau après une longue absence de huit années. Sa voix est toujours la même : l'envoûtement. Charmeurs de serpents, Andy Turner et Ed Handley utilise toujours ces voix féminines en écho des tourbillons de sons synthétiques. Ils ont toujours recours aux mêmes artifices et aux mêmes mélodies trop faciles. Plaid la joue toujours dans la catégorie "IDM world music", où le dancefloor mental s'exile en Safari dans des contrées éthérées comme terreuses. Huit ans pour un simple nouvel album de Plaid, sans nouvelle voie à explorer, sans nouveaux décrochages jubilatoires qui font avancer la musique électronique.

Mais ce serait oublier la part de mythologie. Plaid, c'est une sensibilité différente, une autre façon de ressentir la mélodie et la dissonance, une autre perception de la vérité. Comme chez la Pythie, on se refuge dans Plaid parce que l'on sait que le message sera à la fois totalement abstrait et profondément compréhensible. On sait qu'on ne s'y perdra pas, qu'on y trouvera ce qu'on attend, des voix aériennes, des beats techno, de la basse qui s'envole et des forêts de sons aussi lumineuses que violentes. Disséquer la musique de Plaid revient à remettre en cause les mythologies, revient à tout expliquer par la rationalité. Et face à l'émotion de Scintilli, qui vient autant de la musique elle-même que des retrouvailles avec un de ses fétiches, on ne peut que rejeter tout raisonnement rationnel. La vérité est ailleurs. Même si cette émotion n'est que poudre aux yeux, elle fait trembler les mains comme déjà sur Not For Threes avec des titres comme "Rakimou".

Plaid sort son Scintilli chez Warp, pour redonner foi en l'émotion électronique, pour croire et contempler le magique à nouveau.

בובע-מעשה (Bubbemeyses!) part. 7 : Dire Gelt !

2011-09-16T22:59:00.000+02:00

Dans les vieux mythes, au plus profond des plus datées des stéréotypes, il y a cette idée que le juif est riche. Pas un peu riche, très riche. Parce qu'il est bon en affaire, parce qu'il compte, et parce qu'il arnaque à tour de bras. Ce qui est à moi est à moi, ce qui est à toi... est négociable. Bien sûr, en plus d'être totalement infondé et erroné, ce préjugé est assez nauséabond. D'abord parce qu'il est aussi éloigné de la réalité que New York l'est de Vilnius, et ensuite parce que les conditions de vie des juifs en Europe au cours du siècle étaient tout sauf paradisiaques, sans parler de la seconde guerre mondiale. Entre les humiliations et l'emprise du Tsar, l'exode et la nostalgie, ils ont pas plus le temps qu'un autre de s'en fourrer plein les fouilles. Derrière cet amalgame, il y a seulement une incompréhension : il est écrit dans l'Ancien Testament "enrichissez-vous", mais c'est pour ensuite enrichir les autres. On retombe toujours sur l'idée de communauté qui prime. Et on arrivera des siècles plus tard au Kibboutz en Israël, véritable village utopique où le partage est le premier commandement. On pourrait essayer de faire un travail à la Weber et voir s'il existe une éthique juive qui expliquerait ce rapport à l'argent, mais on a pas spécialement le temps, et on est là pour parler de musique, avant tout.

That's no time for a bus'nessman to die

Les juifs n'ont pas forcément d'argent, donc, mais ils ne se privent pas pour s'en amuser, pour se moquer des clichés, les grossir, les surligner pour s'en moquer. Un moyen de prendre de la distance sur un antisémitisme omniprésent. Irving Berlin, auteur américain d'origine juive né à la fin du XIXe siècle ne s'en est pas privé. Il enrobe le cliché d'un humour totalement juif, avec "Cohen owes me 97 dollars".

L'histoire est simple comme tout. M. Rosenthal est mourant, cloué au lit alors il attrape son fils par l'oreille et lui explique que M. Cohen lui doit de l'argent, que les frères Levi, c'est pareil, sans parler des Rosenstein. Alors le fils, bien gentil, il va réclamer les dettes, il récolte l'argent. Et donc :

What could my son do with all that money
If I should leave it all and say goodbye?
It's all right to pass away, but when people start to pay
That's no time for a bus'nessman to die

On appréciera tout particulièrement l'accent yiddish de Janet Klein, l'interprète de la chanson, où les w deviennent des v sans arrêts. Mais derrière cette douce ironie et ce recul, il y a le véritable problème de l'argent ; il faut payer le loyer. Pourtant, on a beau payer, les conditions de vie restent insupportables. Alors on le raconte en chanson, sans jamais perdre son humour et sa joie. On laisse le rythme élevé et on chante en cœur "Dire Gelt", "il faut payer le loyer ! Mon Dieu il le faut !"

Dire Gelt by yiddishsongs

Si l'on ne paye pas, le propriétaire (qui a beaucoup d'argent lui, et qui n'est sûrement pas juif - le monde à l'envers), va venir avec un bâton, il va venir et prendre nos lits... Avant de nous foutre à la rue définitivement. Mais la question se pose enfin, et la chanson se termine sur une note tout à fait différente : "Pourquoi devrions-nous payer ce loyer alors que les fourneaux sont cassés et qu'on n'a rien sur quoi cuisiner ?". Déjà, derrière cette petite phrase, les premiers soupçons d'engagement et de révolte, face à une vie bien trop différente des représentations des juifs.

Mazel tov !

La vie est tellement difficile qu'on se réjouit, toujours avec humour, quand le fils ainé se marie. Alors on s'embrasse, on célèbre les fiançailles d'Itsik, qui va se marier sans une piécette dans sa poche. Pas de pain, pas de viande, même pas de challah, juste des matzhés bien secs parce qu'Itsik va se marier. Personne ne l'a forcé, il s'est précipité lui même vers sa ruine. Et ça fera toujours une bouche de moins à nourrir.

Itsik hot khasene gehat by yiddishsongs

Dans une autre version, celle de Shloyme Prizament, la version qu'on chantait dans les cabarets d'Odessa, on concluait ainsi :

I know you wanted a daughter-in-law with lofty pedigree

And you didn't inted to have such in-laws

But when she opens her eyes it's as if the sun began to shine

You said you didn't like the fact the bride had no money

But father, you're from the old world :

When you have two healthy arms, you don't go under,

And love, father, is more important than money!

Et ce sera parfait comme conclusion.

Septembre.

2011-09-11T20:18:00.002+02:00

Pour la rentrée, on vous a concocté du bon hip hop signé Qwel & Maker, un petit peu de Burial remixé, des bêtises de Das Racist, des pop songs idiotes mais touchantes de Defiance, Ohio et Toby Foster, le titre du nouveau Mark McGuire qui est toujours aussi bien. Il y a aussi l'excellent hip hop de Nujabes et plein de trucs obscurs que Vianney a choisi. Y a même des breakbeats qui font mal à la tête.
La bonne écoute.

Arrested Development.

2011-09-04T22:02:00.002+02:00

Chacun a son petit secret. La définition de ce petit secret, c'est qu'il est tellement intime qu'on le cache, mais tellement touchant et important qu'on aurait envie que le monde entier le connaisse, et partage ce non-dit. C'est un petit secret qu'on diffuse donc à petit échelle, on leur partage avec ses proches et un regard complice. On choisit avec attention les personnes avec lesquelles on échange cette petite chose aux apparences insignifiantes, mais qui prend toujours une dimension trop grande quand on en parle vraiment, sans feindre le recul, en se livrant et en laissant s'épancher son cœur d'indie-kid trop émotionnel.

Un des plus beaux exemples de ces petits secrets, vite devenu rumeur puis phénomène, c'est Juno. Film indie où Sonic Youth tient la main des Moldy Peaches, avec les géniaux acteurs de la série non moins indé Arrested Development. On se retrouve tous comme ce gros loser de Michael Cera (aka George Michael), on se rappelle de comment on était nul avec les filles, et qu'on avait ce sourire amer quand on entendait Adam Green et Kimya Dawson chantait leur "Nothing Came Out". Maintenant, tous ces sombres temps sont enterrés et sont juste de nouveaux petits secrets qu'on cache, sauf quand ils semblent "mignons". Étonnamment, Juno a donné une légitimité à la musique niaise et trop sincère pour être ridicule. Il n'y a plus aucune honte à parler de son petit secret, maintenant c'est indie et tu l'entends chez Urban Outfitters. Il est même de bon ton de dire du bien de la meilleure série du monde, The OC. Eh oui, c'est bien plus que des petits fils de riches californiens en mal d'amour. Seth Cohen est l'ancêtre de Michael Cera, dans ce temps reculé où Bright Eyes avait la place des Moldy Peaches.

Du coup, on creuse le filon, on veut plus de twee, on veut retrouver un petit secret que les autres n'ont pas, on veut se réapproprier ce que Juno et The OC nous ont volé. On veut redevenir ce nerd assoiffé de pop et de folk, on veut pleurer à nouveau sur des chansons d'amour déçu. En 2009, la lumière est revenu grâce à Nana Grizol, on retrouvait des phrases simples et émouvantes comme "you fell in love with the sunshine" ou "cynicism is not wisdom, it's just a lazy way to say that you've be burned". On se retrouvait du haut de nos quinze ans, un jean trop grand et un t-shirt Decathlon. Nana Grizol est resté un secret qu'on s'approprie et qu'on ne partage qu'avec ceux qui le mérite. Et puis, on les suit en se disant que le charme passera, qu'on s'y fera et qu'on fera le deuil - enfin - de sa jeunesse. Mais non.

Alors quand Theo Hilton de Nana Grizol sort, avec ses potes Ryan Woods de Defiance, Ohio et Toby Foster de Pink Houses, un album totalement acoustique de reprises de leurs chansons respectives, où la mélancolie de ton adolescence frappe à la porte sur chaque chanson, où les voix qui ont a peine mué s'emmêlent dans des mélodies simples et aussi futiles qu'un premier amour. Un album enregistré en tournée, à l'arrache. Juste un petit secret en plus, toujours plus fort. Juste parce qu'il y a des phrases idiotes comme "Maybe I should kiss you every night before I fall asleep", on redevient un Michael Cera ou un Seth Cohen. Et, ça a beau être un secret, c'est quand même super agréable.

En name-your-price sur Bandcamp, le très recommandé album des trois losers du Midwest, mais faut pas trop le dire. Marché conclu ?
http://wordwildrecords.bandcamp.com/album/theo-hilton-toby-foster-ryan-woods

<p>&amp;amp;lt;a href="http://wordwildrecords.bandcamp.com/album/theo-hilton-toby-foster-ryan-woods"&amp;amp;gt;Theo Hilton, Toby Foster, &amp;amp;amp;amp; Ryan Woods by Theo Hilton, Toby Foster, &amp;amp;amp;amp; Ryan Woods&amp;amp;lt;/a&amp;amp;gt;</p>

בובע-מעשה (Bubbemeyses!) part. 6 : Oy vey !

2011-09-01T18:28:00.000+02:00

Le bon goût (ashké)naze

Le retour des Bubbemeyses ! Aujourd'hui, un peu d'humour juif et yiddish pour se détendre avant de s'en aller sur les chemins de l'école. Deux chansons à la gloire des femmes, et de ce qu'elles infligent à leurs maris. La culture juive est matriarcale. La "mame" est le centre de la famille, on la respecte et la craint autant qu'on aime se faire dorloter par ses petits plats à base des choses les plus grasses de la terre, de ces gâteaux au fromage et de ses remarques acerbes sur la fille que vous avez ramené, sur votre comportement, sur votre apparence.

L'humour de la "Yiddishe Mame" cache souvent une méchanceté pure et assez violente pour ses accointances, et surtout pour sa propre famille. Plus elle est proche de vous par le sang, plus elle sera acerbe et critique. Mais cette exigence est la conséquence d'un amour démesuré pour les enfants ! Elle les aime tellement qu'elle veut qu'ils soient les plus beaux, les plus forts, ceux qui ont le mieux réussit. Histoire que, quand elle s'en plaindra à ses amies, celles-ci soient jalouses. Je vous épargne toutes les blagues, même si elles sont plutôt drôles en général.

Donc, dans cette histoire d'amour mère/enfant, il n'y a plus tellement de place pour le mari, ou alors, c'est lui qui déguste le plus. Encore plus exigeante avec celui qui partage sa vie, la yiddishe mame est tellement insupportable que ce serait au tour du mari de se plaindre. Une simple histoire de barbe la rendrait folle.

Die Bord - Mikhl Gordon by yiddishsongs

Pas de barbe, pas de latkes.

Cette chanson de Mikhl Gordon, vaudeville allant et simplet, était d'abord sortie dans l'anonymat pour ne pas froisser les Hassidiques, ces juifs austères et trop sérieux pour se moquer gentiment de leurs femmes. Cette chanson parle de Tshipe Trayne, qui a eu le malheur de raser sa barbe. Sa femme ne le reconnait plus, se demande si c'est un enfant ou une femme. Bien sûr, c'est la fin du monde, elle en avait le pressentiment ! La barbe pourtant, n'imposait rien, il ne fallait pas la nourrir, elle, elle ne coutait rien ! Elle revendique donc le retour de la barbe, comme symbole de la virilité que son idiot de mari a perdu en la coupant.

Une simple histoire de barbe ? Pas que. Derrière, il y a aussi une critique des traditions gravées dans le marbre de la synagogue, de toutes ces choses qu'on fait sans plus savoir pourquoi. Gordon critique en douce l'immobilité de la communauté, cette impossibilité d'évoluer et de s'adapter à la modernité, comme dans Fiddler on the Roof par exemple, où Tevye refuse en bloc tout amendement aux traditions.

Mais revenons à la "mame" ! Elle est tellement exigeante et difficile qu'on est heureux de se retrouver célibataire ensuite.

Ikh bin a border bay mayn vayb by yiddishsongs

Aaron Lebedeff écrit donc "Ikh bin a border bay mayn vayb", littéralement "je suis un pensionnaire chez ma femme", ou comment vivre la belle vie, loin des contraintes de la "mame", mais ironiquement toujours chez elle. On retrouve donc le côté mère-poule, elle a beau être séparée, elle continue de veiller sur toi que tu le veuilles ou non. Pas besoin de détailler plus le côté Œdipien de la chose...

I'm telling you explicitly,

that I'm very content now,

better to be a boarder than a husband.

I don't have to keep an eye on my wife,

and step in, when the butcher

brings in the meat.

I am so free of worries,

I don't have to borrow, lend,

don't have to work and bring her money.

Since I'm only her guest, it's been pleasant with no end.

I only eat and drink, and enjoy my life

Puis au moins, avec cette situation, on peut se raser sans provoquer l'apocalypse.

Suicide is Painless.

2011-08-30T23:53:00.005+02:00

On se souviendra avant tout de l'histoire. Ou de l'Histoire. Giles Corey, petit propriétaire terrien embourgeoisé, droit dans ses bottes et têtu comme une mule quelque part dans le Massachussets, autour de Salem, se retrouve dans une tourmente orchestrée par celles qu'on appellera plus tard "les sorcières de Salem". Il aurait assassiné et fricoté avec le diable, il aurait été une des mains du malin dans une Amérique puritaine. Son entêtement lui évita la pendaison. A la place, il eut droit à un châtiment bien plus exotique, l'écrasement progressif par des pierres. Il lui fallut trois jours pour rendre son dernier souffle. Giles Corey a refusé son procès comme il a dû refuser le purgatoire.

La petite histoire, maintenant. Dan Barret, membre d'un des plus beaux secrets de la musique américaine, appelé ironiquement Have a Nice Life. Une musique noire qui n'a pour limite que le silence, où la violence est dans le non-dit. On se souviendra donc de cette histoire : Dan Barret a choisi de se tuer. C'est là la motivation. Tel un David Tibet, Dan Barret remet tout en perspective après sa tentative ratée. Et la question revient sans cesse, elle est morbide mais elle ne le quitte pas : la vie vaut-elle tout ces tourments ? On en revient à toute la métaphysique, à l’existentialisme, aux questions les plus primaires et, paradoxalement, les plus abstraites. Se coller une balle dans la tête apparait alors comme une non-réponse. Et Dan Barret, revenu du plus profond de sa dépression, ne se défaussera plus.

Des plus humides bas-fonds où errent quelques fantômes, Dan Barret commence sa lente rédemption. Les bruits d'ambiance de l'heure pendant laquelle il gisait inconscient après sa tentative tapissent cette simple rengaine de piano, digne des plus basiques films d'horreur. Tout se joue dans la douleur dans la voix, dans les cris et la souffrance que Barret expulse à chaque mot. Ce n'est plus simplement de la musique, c'est de l'exorcisme, Dan Barret prend les traits de Giles Corey et se défait des esprits sombres qui l'entourent. Il écrase ses tourments comme il aurait aimé écraser ces sorcières, une revanche sur son triste sort. Le cheminement de la douleur, à grand coup d'orgues et d'incantations mène à une conclusion nette : "I'm going to do it".

Tout est dans l’ambiguïté de ce titre. "Je vais le faire", me condamner et en finir à jamais. "Je vais le faire", continuer de lutter pour vivre, malgré la dépression, malgré la tristesse et la mélancolie. Et là, derrière les immenses volutes de ténèbres apparait le premier halo de lumière. La foi pointe son nez, Dan Barret recherche à présent la paix. "I want to feel like I feel when I'm asleep". Adieu les envies destructrices, peut-être qu'il n'a toujours pas trouvé de réponse à la question qui le hante, mais il est au moins décidé à lutter pour voir si cette réponse est à portée de main. Face à cette décision, les mélodies s'éveillent et enterrent les lamentations. Giles Corey réapparait alors, celui passionné par la vérité, l'entêté qui refuse son procès. Dan Barret lui emboîte le pas dans sa quête pour sa vérité.

Le surnom Giles Corey prend alors tout son sens. Dan Barret, hanté par de nombreux démons comme Corey par les sorcières, fait le choix de la vie au lieu de se laisser mourir. Corey s'est laissé mourir, Barret a eu la chance de se rater. Son art comme thérapie (le disque vient avec un livre de textes et dessins), il décide de mettre Corey à la fosse commune, de laisser son passé derrière lui, de graver un souvenir pour ne jamais l'oublier, et ainsi, toujours garder en tête que quoiqu'il arrive, on trouvera toujours un peu de lumière dans les plus sombres couches d'obscurité.

Ferris Wheel On Fire.

2011-08-29T19:37:00.004+02:00

Il aura fallu quatorze années pour que Jeff Mangum sorte du brouillard. Pour retourner dans la lumière. Complètement écrasé par la soudaine gloire d'un 10 sur Pitchfork, d'une montée de hype, de l'étiquette tout de suite collée sur son front de génie de l'indie, avec son album culte avant même d'être sorti In The Aeroplane Over the Sea, bien loin de l'état d'esprit détendu d'un label Elephant 6 où on pense plutôt aux couleurs des rayures sur ses chemises foireuses qu'au nombre de disques qu'on écoule. Jeff Mangum a été pris dans un raz-de-marée et a tout laissé mourir en 1998, son bébé Neutral Milk Hotel le premier, marquant quasiment la mort d'Elephant 6 par la même occasion.

Il restait des larmes et un goût amer dans la bouche de tous les gamins des 90s, et un éternel regret pour tout ceux qui sont nés trop tard pour chialer sur "Communist Daughter" en temps réel. On a bien son dernier live avec Neutral Milk Hotel, où il parle d'une dépression passée et presque effacée, on a bien le Live at Jittery's Joe qui conclue tout cela. On se dit qu'il a toujours mis un peu la main à la pâte avec ses potes d'Olivia Tremor Control et Julian Koster. On a attendu fébrilement des années en se passant en boucle tous les EPs qu'on trouve sur le net, se délectant d'inédits qui n'en sont plus à force de s'user jusqu'à la moelle. Un premier le haut le cœur l'an dernier, quand on apprend qu'il était à New York pour son génial ami Chris Knox. Un espoir qui renaît, faible mais vivifiant. On a cette mince idée dans la tête, peut-être qu'un jour, je verrai Jeff Mangum, son pull en laine pourrie et sa guitare mal accordée, concentré, les yeux dans le vide en train de chanter des "leave me alone", comme pour rappeler au monde entier les erreurs passées.

Et puis, up and over we go, hein. Jeff revit, remet sa casquette et reprend la route. Il offre comme une reformation d'Elephant 6 au festival All Tomorrow's Parties, en rameutant Joanna Newsom ou John Darnielle. Il balance un nouveau site internet. Et là, les yeux du fan transi par l'attente s'illlumine. Un coffret vinyle avec tout ce dont on a rêvé pendant des années. Et.... des inédits inédits.

Alors, jusqu'au 22 novembre où tous les inédits seront en téléchargement gratuit, on va se farcir les deux titres jusqu'à épuisement. Après tout, pour une fois qu'on peut chialer sur du Neutral Milk Hotel en temps réel, on va pas se priver.

Ferris Wheel On Fire.

Oh Sister.

Secret society

2011-08-18T18:56:00.002+02:00

Sous ce nom intriguant ce cache un artisan suédois, touche-à-tout et multi-instrumentiste talentueux, perpétuant la tradition de la pop-folk psychédélique en y ajoutant sa touchante touche personnelle. Songwriter doué, c'est dans son petit studio aux motifs fleuris 60's qu'il donne naissance à ses chansons, au milieu des fantômes des Beatles, de Syd Barett, Kevin Ayers... il fait tout lui-même, de la guitare à la batterie, à l'illustration de la pochette.
A ce jour, Dear Adrenaline (2006) est le seul album qui semble être sorti. Joel Fridlund reste discret.

Août.

2011-08-14T19:53:00.000+02:00

La playlist d'août, en direct de Rome. Donc avec du Vasco Rossi, ma nouvelle idole, de la pop italienne engagée, forte en émotion et un peu ridicule. Après, on passe aux choses sérieuses avec du Plaid, en attendant le prochain album pour septembre (enfin !). Sinon, de la techno qui tâche avec Shed, du dub lourd avec Orphx, des conneries des Music Tapes et Lucrate Milk, une leçon de pop par Chocolate USA. Et plein d'autres trucs pour danser jusqu'à la fin de ton été.
La bonne écoute.

Les Enfants Terribles.

2011-08-10T15:09:00.000+02:00

Dans le sombre et petit cosmos du net, on a assimilé The War On Drugs au génial Kurt Vile. Il y était le guitariste. On l'imaginait comme Roger Waters, l'architecte du son, le compositeur, celui qui fabriquait de ses mains nues les cosses dans lesquelles viendrait s'allonger la voix d'Adam Granduciel. La langueur doucement psychédélique des War On Drugs, c'était l’œuvre de Vile. "Arms Like Boulders" était le tube en puissance de Kurt Vile avant qu'il ne se lasse et s'en aille, les cheveux toujours aussi gras, se confronter à son avenir. Kurt Vile se serait défait de l'étiquette War On Drugs tout en profitant de la légitimité du groupe. Un halo de fumée comme auréole, et Kurt Vile est le nouveau flambeau de la musique américaine dans toute sa splendeur, entre folk, rock et alternative, quelque part entre un Bob Dylan et un Stephen Malkmus.

Dans ce magnifique parcours, on oublierait Adam Granduciel. Il n'est pas le catalyseur, la voix par laquelle le talent de Vile nous est arrivée aux oreilles. Il aurait été trop facile d'enterrer The War On Drugs une fois Kurt Vile parti vers de nouveaux horizons. The War On Drugs ne reposait même pas sur un équilibre entre les deux membres. The War On Drugs, c'est l’œuvre de Granduciel, son joyau, c'est la came qu'il a faite pousser lui-même sur son balcon de Philadelphie. La ville de la fraternité, comme par hasard. Kurt Vile le dit, The War On Drugs, c'est le groupe d'Adam, son meilleur pote. Adam a joué un peu pour Kurt, alors Kurt lui a retourné la faveur. Un album sort, et nous voilà à notre confusion initiale. Rien de ce que vous entendez dans Wagonwheel Blues n'est dû à Kurt Vile. Il faut se rendre à l'évidence, on est face à deux enfants terribles du rock indépendant US. Ce ne sont pas les frères Gallagher, non, ils ne se battent pas, ils s'aiguillent. Et ainsi, Vile et Granduciel ont trouvé la fibre, le son, l'atmosphère qui rafraichiraient l'indé à grand coup de volutes de fumée, de voile devant les mots et d'envolées acides.

Alors on se retrouve, comme ça, devant le dernier album d'Adam Granduciel. Sans Kurt Vile, mais avec cette langueur charnelle, cette force retenue. On se retrouve à écouter la suite logique de Wagonwheel Blues, on se retrouve à entendre exactement ce qu'on attendait de The War On Drugs. La fougue a laissé sa place à une fausse lassitude.

The War On Drugs sort Slave Ambient chez Secretly Canadian, cette année. Pas d'émois comme "Arms Like Boulders", mais une évidence : il faudra compter avec Adam Granduciel, maintenant.

בובע-מעשה (Bubbemeyses!) part. 5 : Daloy Politsey !

2011-08-04T14:46:00.000+02:00

Après quatre articles qu'on pourrait qualifier d'introductif et de généraux, on va s'attarder sur une ou deux chansons par article, un peu à la manière de ma série sur Bob Dylan. Aujourd'hui, deux chansons sur un même thème, l'oppression du Tsar sur les juifs, et par extension, les mouvement sociaux, communistes et anarchistes en retour. La culture yiddish et juive d'Europe de l'Est est éminemment engagée, de par le contexte historique d'abord (Staline d'un côté, Hitler de l'autre...), et de l'autre côté, par la culture intellectuelle qui se traduit souvent, dans ces années-là en Europe, par un engagement communiste ou anarchiste.

Sur la photo, ce cher Nicolas II, Tsar de Russie de 1894 à 1917. "Nicolas le Sanguinaire", d'après les soviétiques, était en fait un souverain tout à fait décent, assurant prospérité économique et culturelle. Ils voulaient assurer la paix, il s'est heurté aux bolchéviques et à la révolution rouge. Il finira en petit morceaux en 1917, assassiné par les militants, au nom de Lénine et de la révolution communiste.

On chante donc sa chute, on veut sa chute, on veut le mettre plus bas que terre. Parce que c'est un Tsar et qu'il établit des règles et que c'est insupportable. Alors on le décrédibilise, on le rit et on le moque. On pleure le fait qu'on le serve, et on veut s'en débarrasser. "Vemen Veln Mir Dinen, Brider", une chanson qu'on crie plus qu'on chante, comme une chanson de marin, où l'on frappe la table du poing à chaque pulsation ! On la chante au Shabes Tish quand on a trop de vodka dans le sang, tous ensemble. Il y a toujours l'idée de lutter ensemble, on parle aux "frères"et on répète les vers comme des rengaines, comme pour remuer le couteau dans la plaie et aller chercher au plus profond des tripes la force de refuser les ordres du Tsar.

Who will we serve, brothers?

The Russian tsar, brothers! The Russian tsar, brothers!

It’s no good to serve the Russian Tsar

Because he bathes in our blood!

Vemen Veln Mir Dinen, Brider by yiddishsongs

Affiche du Bund, 1931

Le Tsar se baigne dans notre sang, il s'en lave les mains, il utilise le peuple juif, celui qui veut être à la fois hors et au sein même de la communauté. De ce sentiment de frustration, les juifs s'engagent. En Russie, la mode est au marxisme. Lénine met la guerre, le terrorisme et la mort derrière chaque phrase au profit d'un idéal aussi beau qu'utopique. Les grèves commencent, et le בונ (Bund) se forme. Un mouvement juif socialiste, travaillant pour l'émancipation des travailleurs juifs, histoire de ne plus bosser pour le Tsar (à noter que c'est un mouvement laïque opposé au sionisme, preuve de plus de cette volonté d'être à la fois hors et dans la communauté - le mouvement est aussi assez indépendant pour refuser le centralisme des bolchéviques). Alors on fait grève et on manifeste, et on balance des chants révolutionnaires comme "In Ale Gasn".

En fait, c'est une chanson recomposée, de deux grands airs de manif'. "In Ale Gasn" (1933) et "Hey hey Daloy Politsey" (qui s'apparente plutôt à un refrain de manifestation, apparu vers 1905), assemblée bien plus tard (dans les années 80) par Zalman Mlotek. Ce n'est donc pas exactement ce que l'on chantait pour faire tomber le Tsar, mais on retrouve le souffle révolutionnaire, la même fougue qu'un "Bella Ciao" et qu'un "Chant des Partisans". On implore la grève, on se révolte contre l'exploitation et surtout, on veut enterrer "le petit Nicolas et sa mère". Et ce, toujours tous ensemble, sans jamais oublier de se moquer.

De là à dire que les juifs, de plus en plus sécularisés, ont joué un rôle dans les révolutions rouges en Europe, il y a un grand pas que je n'oserai pas franchir. (Le Bund a supporté la révolution de février, mais pas celle d'octobre). Mais, dans tous les cas, ces mouvements vus comme progressistes étaient très forts, et les juifs y croyaient. La chute du Tsar serait leur émancipation. Sauf que la chute du Tsar a finalement rimé avec pogroms et purges, qu'une autre raison pour se révolter et chanter.

בובע-מעשה (Bubbemeyses!) part. 4 : The goy? Who cares?

2011-08-01T13:09:00.002+02:00

Et aujourd'hui ? Où on en est de tout ça ? Qu'est-ce qu'est devenue cette culture et cette musique ? Étonnamment, elle n'est pas simplement utilisée pour les mariages ou les bar-mitzvahs. Et l'air de rien, on retrouve des traces de klezmer et de yiddish partout. Que ce soit à Broadway ou en Iran (sic), dans le jazz ou à Albuquerque, New Mexico. Difficile d'expliquer la persistance de cette musique. Peut-être est-ce simplement parce qu'il y a toujours cette idée de mémoire derrière, qu'elle fascine, qu'elle prend à la gorge et qu'on ne s'en défait jamais. Et on la diffuse ensuite. Le klezmer ressemble à une musique de niche, mais si on s'attarde un peu dessus, on voit qu'il est partout, et notamment qu'il a joué un gros rôle dans l'évolution de la musique américaine.

On la connait l'histoire, par cœur. Dès les années 20, et encore plus les deux décennies qui suivent, les juifs d'Europe de l'Est fuient. Ils vont d'abord en France, en Espagne, au Royaume-Uni, avant de partir encore plus loin : États-Unis et Canada. New York est connu pour sa communauté hassidique importante, des shtreimels partout, des juifs orthodoxes, des Woody Allen et ainsi de suite. Beaucoup migrent vers Israël aussi. Dans cette histoire, le yiddish en prend un coup. Les communautés hassidiques aux États-Unis l'assimilent un peu dans l'américain, on le troque au profit de l'hébreu en Israël. La langue est en voie de disparition, mais la culture persiste. Et la culture, elle se chante en yiddish.

Pour résumer l'histoire du yiddish finalement, et de la culture qui va avec, il suffit de regarder Fiddler on the Roof. Issue d'une nouvelle de Shalom Aleichem (considéré comme un des plus grands écrivains yiddish) nommée Tevye et ses filles, la comédie musicale façon Broadway va faire un carton aux États-Unis. Et l'histoire est significative : la lutte entre la tradition que le père, le pauvre laitier Tevye veut préserver, et la modernité que l'on ne peut arrêter. Le yiddish, rappelons-le, s'est construit surtout avec les langues de l'extérieur de la communauté. Et la culture, sans même s'en rendre compte, s'est faite de la même manière, toujours en assimilant l'extérieur, même s'il faudrait préserver la tradition. La survie de cette culture est conditionnée par sa capacité à évoluer avec le temps, la modernité et les nouvelles tendance, que ce soit la révolution bolchévique ou mariage par amour au lieu des arrangements entre famille. L'histoire est belle, le film tiré de la comédie musicale est un classique maintenant. La culture yiddish est devenue une partie de la culture américaine, comme ça, l'air de rien.

Eretz Zavat Chalav - Nina Simone by LouNathanson

A quel point ? Et si je vous disais que Billie Holiday avait chanté en yiddish ? Qu'Eartha Kitt avait chanté "Sholem" ? Même Nina Simone ! Pas que ces grands noms du jazz soient juifs, je ne suis même pas sûr qu'ils aient un quelconque lien avec cette culture. Mais la culture juive se disperse et s'étend en Amérique. Et, sans surprise, le jazz et le klezmer, comme des cousins éloignés, se rejoignent et se mêlent. On l'entend chez Gerswhin, dans "S Wonderful" ou "Funny Face" par exemple. Ce n'est pas flagrant, ce sont des standards de jazz avant tout. Mais il y a une pointe de klezmer dans la mélodie.

Vous pouvez lire ou écoute l'émission de la NPR sur le sujet : http://www.npr.org/templates/story/story.php?storyId=12977990

Et télécharger la compilation en cliquant sur la pochette (uploadé maison, s'il vous plait).

Et aujourd'hui, le klezmer revit grâce à des groupes comme The Klezmatics, qui mettent une touche de rock bien placé dans le klezmer, sans jamais rompre les rites et les traditions. Socalled, lui, fout le bordel en y mettant du hip hop et des samples. On trouve aussi des trucs plus drôles, comme cette reprise de Havah Nagilah par un duo Irano-Chilien, nommé Dia Prometido. Psychédélique et avec de la sitar. Du bonheur.

Il faut aussi parler des géniaux A Hawk and a Hacksaw, qui continue le travail de métissage et de mélange des musiques avec leurs albums. Leur dernier album Cervantine étant un des meilleurs albums de cette année 2011.

"Just look at that parking lot"

Dans la catégorie des improbables, on a ce sample de Sha! Shtil! par Brodinksi. Ou même cet album au nom explicite, Mazel Tov, Mis Amigos, des standards du klezmer joués version flamenco hispanisant. Et je vous épargne les hérésies de Gevolt, groupe de folk metal israélien. Allez, juste une pour le fun : "Tum Balalaika".

Le yiddish, par la diaspora est à la fois mort vivant et plus resplendissant que jamais. La langue se meurt, la culture fait mieux que survivre, elle évolue et se mélange.

בובע-מעשה (Bubbemeyses!) part. 3 : Nostalgie et souvenirs.

2011-07-29T09:08:00.003+02:00

Il y a toujours l'idée d'être ensemble et de célébrer, dans le klezmer. Pour le meilleur et pour le pire. Pour le meilleur, on chante des chansons Arum Dem Fayer, autour du feu. (La nuit est spéciale et nous ne sommes pas fatigués, alors que le feu s'éteint, les cieux brillent de plein feu).

On chante la communauté et la fraternité. On l'a déjà dit, malgré de nombreuses différences, les peuples juifs d'Europe partagent ce sentiment de communauté. Ils sont ensemble malgré les discontinuités. Ils sont simplement ensemble, comme s'ils étaient tous des frères (Ale Brider).

Nous sommes tous unis
Qu'on soit peu ou beaucoup
Et nous nous aimons les uns les autres
Comme un marié et son épouse

Nous sommes heureux et joyeux
Nous chantons en tapant du pied
Et nous sommes tous des soeurs
Comme Rachel Ruth et Esther

Là où les exécutions avaient lieu, Lituanie.

Néanmoins, le klezmer, ce n'est pas que de la chanson à boire. C'est aussi un recueillement, des conditions de vie difficile et des chansons d'amour.
En 1943, entre l'URSS et l'Allemagne nazie, des mouvements de résistance se cachent dans les forêts autour de Vilnius. Ils seront tous massacrés dans ce qu'on appelle la Shoah par balle. Il nous reste la Chanson des Partisans, ici par la grande Chava Alberstein. On célèbre le courage et on ne baissera jamais les bras.

C’est pourquoi ne dis jamais que c’est ton dernier chemin
Malgré les cieux de plomb qui cachent le bleu du jour
Car sonnera pour nous l’heure tant attendue
Nos pas feront retentir ce cri : nous sommes là

Zog Nit Keynmol by LouNathanson

C'était une migration perpétuelle dans ce contexte. Les juifs ont été contraints de fuir continuellement leurs shtetl. Il leur reste des souvenirs, des images d'enfance. On pleure Beltz comme on pleure Vilnius ou Varsovie. On regrette son enfance et ses souvenirs. Jamais le cliché du juif errant, le klezmorim itinérant n'a eu plus de sens. On chante pour garder des attaches avec sa terre natale, pour garder un point d'ancrage avec le lieu d'où l'on a été chassé.

Beltz, my little town! The little house where I spent my
childhood!
The poor little room where I used to laugh with other
children!
Every Shabes I would run to the river bank to play with
other children under a little green tree.
Belz, my little town!
My little town where I had so many fine dreams!

Belz by LouNathanson

Dans de telles conditions de vie, entre le travail à l'usine, l'industrialisation, la ségrégation, difficile de vivre la passion. Alors on met des mots sur ses tourments et on les chante, comme un exutoire. On s'aventure même du côté communiste ou anar' (In Ale Gasn) pour essayer de se battre. Mais reste toujours l'amertume. On échangerait sa vie pour être avec l'aimée, on en dormirait par terre. Quitte à vivre dans la misère, autant que ce soit avec elle.

Di Sapozhkelakh by LouNathanson

On est enchaîné par le travail, loin des oiseaux qui chantent, c'est là où l'on se repose et où l'on mourra. Alors on espère que l'être aimée soit toujours là, à rendre ce funeste endroit un peu moins dur.

Don't look for me where birds sing.

 You will not find me there, my beloved.

 I am a slave where chains ring,  

There is my resting place.

C'est peut-être face à ces difficultés et ces impasses que le masque de l'humour et de l'auto-dérision s'efface. Et le klezmer devient juste solennel et triste, sans perdre sa foi. Même aujourd'hui, alors que le contexte est bien loin, ces chansons ont gardé leur force, à tel point qu'elles sont encore reprises, retravaillées, réarrangées.

En bonus, une des plus belles chansons yiddish, chantée par Lorin Sklamberg des Klezmatics. Lid Fun Titanik.

Lid Fun Titanik by LouNathanson

Quelques liens utiles pour ceux que ça intéresserait :

Un album où les plus grands chantent les plus grandes chansons : Perl fun Yidishn Lid

Archive de chansons avec traductions et extraits audio :
http://www.zemerl.com//index.shtml
http://savethemusic.com/bin/archives.cgi?q=songs

בובע-מעשה (Bubbemeyses!) part. 2 : Chansons à boire et religion.

2011-07-28T13:19:00.001+02:00

Le Klezmer est donc un balagan, comme je l'ai dit hier. Le balagan est un mot hébreu qui veut dire désordre. Enfin, un peu plus que désordre, puisque c'est un terme qui vient surtout du saccage du second temple de Jérusalem. La connotation religieuse et sacrée est très forte. Sauf que le yiddish s'accapare des mots hébreu, et les tourne en dérision. Un père de famille entre dans la chambre de son fils et, devant le bordel, décrit un balagan. Rien de comparable, mais tout est là : on prend la religion, et on s'en moque gentiment. On prend tout ce qu'on trouve et on lui donne un côté sacré mais pas trop.

On imagine souvent le klezmer comme instrumental. Violon et clarinette, une contrebasse, et comme un orchestre de jazz, des heures de musique. Mais je voudrais surtout m'attarder sur la chanson yiddish, pas le klezmer en général. Quelle différence ? Il n'y en a pas réellement, en fait. La chanson en yiddish est souvent klezmer. Quand on dit klezmer, on entend Shalom Aleichem.

Shalom Aleichem by LouNathanson

Et l'air de rien, dans ce classique presque cliché de la musique juive, on trouve toute la dimension du klezmer et par extension de la chanson en yiddish : le tragique qui se mêle à la joie. La mélodie accélère peu à peu et entraîne des canards de clarinette. Le solennel du début devient l'enjoué.

Une chanson yiddish dans un mode mineur est joyeuse comme un gamin à sa bar mitzvah. Sinon elle est en mode majeur et on pleure toutes les larmes de nos corps. Tout est dans ce paradoxe qui veut mêler deux extrêmes. Pourquoi ? Parce que l'humour et la distanciation sont des bases de cette musique juive. Jamais on ne s'apitoie sur son sort sans se moquer de soi-même. Jamais on invoque Dieu, mais plutôt Gotenyu, mon petit Dieu. Il y a toujours dans cette musique un caractère solennel. Peut-être à cause du contexte des vies des artistes et des horreurs du siècle dernier. Il y a toujours une foi derrière, même derrière l'humour et la dérision. Pas une foi religieuse, mais une foi en un peuple et une culture, une fierté peut-être, qui sait.

Il est assez difficile de trouver les chansons sur le net (quelques unes sur youtube), j'en ai mis la plupart sur soundcloud pour vous permettre de les écouter. (Attention, les enregistrements sont soit vieux, soit ridicules). Il est aussi difficile de trouver les textes ou des traductions. Ce qui me limite un peu dans mon choix, d'autant qu'avec la translittération, les orthographes changent sans arrêt. Mais voici quand même un petit tour d'horizon des thèmes, appuyés par quelques chansons.

A Serious Man

Bien sûr, la religion est un des premiers pôles des chansons. On l'a déjà vu dans la première partie, mais le yiddish se définit par la religion et les textes sacrés. Il s'écrit avec les lettres hébraïques et emprunte un nombre considérable de mots à cette langue. (On dit d'ailleurs qu'apprendre le yiddish n'est pas si difficile, mais qu'il faut dix ans pour connaître tout le folklore et les histoires qui l'accompagnent, tous les mots hébreux que l'on trouve dans les textes). Et ces chansons, on les retrouve la plupart du temps aux Shabes Tish. La table du shabbat, si l'on devait traduire. Une cérémonie religieuse ? Non, juste un moment où Dieu devient un prétexte pour boire de trop et se rassembler, chanter en tapant sur les tables. Le religieux semble bien loin dans ces moments. Mais on chante des anciennes prières, comme Shnirele Perele.

Collier de perles, fanion d’or,
Le Messie, fils de David siège à la place d’honneur
Il lève une coupe de sa main droite,
Il bénit le pays tout entier ;
Oymen, oymen, c’est la vérité
Le Messie va venir cette année

Viendra-t-il en carriole ? Ce seront des années fastes ;
Viendra-t-il à cheval ? Ce seront des temps heureux ;
Viendra-t-il à pied ? Les Juifs s’établiront en terre d’Israël.

On appelle le Messie, on l'attend. Mais c'est une prière, alors la chanter ainsi, en faire comme une chanson à boire, c'est encore une preuve de cette sécularisation, on détourne le religieux, ou plutôt, on le désacralise. L'autre preuve, c'est qu'on se moque des rabbins.

On respecte le rabbin, mais on s'en moque. Alors silence, chut, le rabbin va danser et ainsi faire fuir le diable. Satan reste raide mort parce que le rabbin danse. La danse comme exorcisme, un peu gros, mais on y croit.

Mais de là à dire qu'on se moque seulement des rabbins, on se moque de tous, de ceux qui font tout comme le rabbin, de peur de trahir les autorités divines ? Quand le rabbin rit, tout le monde rit, quand le rabbin dort, tous les hassidim dorment. Et ainsi de suite. Mais la chanson en elle-même, la mélodie est pleine d'une fougue. Chaque chanson, qu'importe son contenu, a à la fois une grosse dose d'humour (écoutez ces ouilles ouilles) et un air sérieux. C'est l'humour yiddish. Quelque chose de difficile à expliquer, entre fierté mal placée et auto-dérision.

Als Der Rebe Singt by LouNathanson

Chaque partie de la religion est retournée par la chanson. On se moque des exégèses de la torah, mais on continue d'aller à la schul le vendredi soir. Plus comme un acte culturel que religieux, comme un acte d'appartenance à une communauté. Et la communauté juive tient sur plusieurs piliers, on se retrouve autour d'une table durant le shabes. Donc on mange. Et le klezmer a célébré la nourriture des yidishe mame, et cette tendance à boire un peu trop de gnole pour se réchauffer.

Di Maskhke by LouNathanson

Une chanson éloge à l'alcool fort qui tourne autour des tables, le grand-père qui remplit allègrement chaque verre sans distinction d'âge. (On chante aussi bêtement les patates (kartofel) et les varnishkes. Il y a même l'équivalent de la comptine "Lundi des patates" etc, avec Bulbes). Et une conclusion en L'CHAIM ! A votre bonne santé, en attendant demain les chansons tristes.

בובע-מעשה (Bubbemeyses!) part. 1 : Introduction.

2011-07-27T12:40:00.003+02:00

Début d'une série de quelques articles sur le yiddish en général, et la musique en yiddish en particulier. Parce que le yiddish revêt des traits assez méconnus et flous, parce qu'on ne sait pas trop de quoi on parle quand on parle de Klezmer, de culture yiddish, de chansons yiddish. Parce qu'on pourrait penser que ce n'est qu'un dérivé de l'allemand où l'on dit [Ikh] à la place de l'étrange [Iç] de l'allemand.
Une série d'articles sous le nom de בובעמעשׂה (Bubbemeyses), comme des histoires de grand mère, des contes racontés par les vieilles dames, qu'on imaginerait bien dans le froid de l'Ukraine, un fichu sur la tête. La grand mère juive par excellence (אַ יִדישע ,כּ,ע), qui fait honneur à ses clichés, qui raconte ses histoires, les enrobe d'autres histoires et les mélange, qui chante à ses petits enfants des chansons dans une langue qu'ils ne comprennent pas parce qu'elle meurt à petit feu, malgré quelques pôles de résistance.

Avant de s'attarder assez longuement sur la musique, dans les articles à suivre, il me semble important d'en dire plus sur le yiddish en tant que langue. Parce que ses singularités linguistiques sont la source de la singularité de la musique. Tout la musique yiddish est un miroir de la culture, de l'état d'esprit et de la langue elle-même. Une langue totale, qui induit un mode de vie et de pensée, entre l'hébreu et l'allemand, avec des touches de russe et de polonais, une langue entre les contraintes de la vie de tous les jours et le poids des obligations religieuses.

Le yiddish, c'est la langue des juifs en Europe. Dans tout le continent, les juifs parlent yiddish. Autour du Xeme siècle, en Europe de l'Ouest, le yiddish apparait. La base est avant tout germanique, avec l'alphabet hébraïque, mais surtout, le yiddish adopte et assimile toutes les langues autour. Le yiddish est profondément ancré avec les lieux où ont vécu les juifs. Les shtetl, aux alentours de ville comme Metz, Cologne ou Ratisbonne développent un langage commun pour unir les juifs, et les exclure des autres à la fois. Les juifs sont éclatés dans toute l'Europe, et le yiddish leur donne un point commun, leur permet de vivre ensemble selon leurs traditions. Sans compter les politiques de ségrégation des seigneurs, qui ne font qu'accentuer le phénomène. Les quartiers juifs parlent yiddish, bien loin des quartiers chrétiens. Pour autant, il n'y a pas ici d'idée de séparatisme. Beaucoup de juifs parlaient yiddish et langue locale, sans oublier l'hébreu, la langue sainte pour les plus éduqués.

Nathan Süsskind détaille le yiddish en trois périodes. La première le "Juden-deutsch", une base d'allemand avec des bouts de langues romanes, amenés des migrations de la France vers l'Allemagne. des bouts d'hébreu et d'araméen venus avec la religion et la Bible. Entre 1150 et 1350, la pression économique, la discrimination croissante et les expulsions de plus en plus nombreuses, accompagnées de la montée de la religion, le dialecte évolue vers ce qu'on appelle le "altyidish", le vieux yiddish. On y trouve l'influence des langues slaves, avant l'élargissement du Yiddishland à la Hollande et aux pays baltes. Au XVIIIe siècle, le yiddish s'efface doucement de l'Europe de l'Ouest pour se renforcer à l'Est. La raison ? La sécularisation.

Y a pas que Rabbi Jacob dans la vie.

Au départ, le yiddish était écrit comme les textes sacrés, avec les lettres hébraïques. Le XVIIIe et le XIXe voient le désenchantement du monde : les gens perdent foi en la magie et la religion. Et le yiddish, comme souvent, suit les évolutions de l'Europe et s'adapte à la modernité, des mots apparaissent pour coller à la vraie vie. Le yiddish a su évoluer pour rester proche de la vie de tous les jours, sans s'enfermer dans la religion. Yontef était une fête religieuse, c'est maintenant simplement un jour férié.

Le yiddish a donc formé une nation au sein même de l'Europe, une nation qui transcende les frontières. Une nation construite par la force d'un langage et de traditions.
Et bien sûr, un langage implique une culture. Avec ces évolutions, le yiddish a vu naître son théâtre et sa littérature, son cinéma plus tard, et surtout sa musique : le Klezmer.

Le Klezmer vient de deux mots yiddish, forcément. Klei (קלײ) et zemer (זעמער), ce qui veut dire "instrument de chant", encore un glissement sémantique où l'objet dépasse le matériel pour devenir un mouvement. Le mouvement, d'ailleurs, c'est l'essence même du Klezmer. Comme le yiddish, il a suivi les migrations, les Klezmorim (les musiciens) sont itinérants et suivent les mouvements et les migrations du peuple, s'imprègnent de la musique d'où ils sont. Ils remuent la terre sous leurs pieds pour apporter de nouvelles sonorités à leur musique. Le Klezmer devient alors un balagan (באַלאַגאַן) totale, entre musique d'Europe Centrale, d'Europe de l'Est, musique turque et des balkans avec une touche de tzigane. On le joue aussi bien au violon (פֿידל) qu'on fait crier les clarinettes. Et on s'attardera sur les thèmes abordés plus tard, avec des extraits à l'appui.

En attendant, pour vous mettre en condition pour la partie suivante, vous pouvez écouter les grands classiques du Klezmer.
Itzhek Perlman par exemple, qui quand il ne s'amuse pas à jouer du Mozart et du Tchaikovski, se laisse aller à quelques thèmes Klezmer.

Sans oublier l'éternel Giora Feidman. L'argentin, qui fait pleurer sa clarinette depuis 30 ans maintenant, en mêlant jazz et soul, Gershwin et Klezmer.

On ira plus loin plus tard, avec des analyses de chanson particulières, un petit tour des thèmes abordés par la musique en yiddish, le contexte et ainsi de suite. Après, on verra ce qu'on a fait du klezmer ses dernières années, ses incursions dans le jazz, dans le hip hop et un peu partout.

Juillet.

2011-07-14T22:32:00.000+02:00

La playlist de juillet, en retard, parce qu'on est trop occupés à se faire rôtir la pilule, entre Dour et le sud de la France. Ce mois-ci, on a surtout de la pop estivale, entre The Shins et Belle & Sebastian, des bêtises de Bibio et d'of Montreal, sans parler de la niaiserie de They Might Be Giants. Mais on a aussi du dubstep qui tâche avec Alex Smoke, du hip hop old school version N.W.A, et le folk beau à pleurer de David Thomas Broughton. Et un classique "You're like heroin to me" de The Gun Club pour aider à pécho cet été.
La bonne écoute, et un bon été. On essaiera de caler une playlist en août.

Revolution #9.

2011-07-10T18:48:00.008+02:00

Myspace est mort. Adieu les heures à errer de clic en clic vers des artistes plus obscurs et underground les uns que les autres. Mais la mort de myspace n'est que la conséquence logique de l'arrivée de media bien plus adaptés à la musique et à la découverte. Du jeune DJ qui balance son remix sur Soundcloud à l'ambiance coopérative de Cllct, la musique a forgé son media. Et Bandcamp en est la plus belle illustration, site qui court-circuite les maisons de disque et toute l'industrie, Bandcamp c'est du lien direct entre l'artiste (ou son label) et le consommateur, c'est le prix à la demande, c'est comprendre que le mp3 est une limite et proposer du FLAC pour rien du tout. Bandcamp a tout compris, petit tour d'horizon des trouvailles qu'on y fait.

The Incredible Adventures of Getùlio, The Old Gorilla - Getùlio, The Old Gorilla (2011)

Le concept le plus cool possible. Quelque chose que seul internet permet. Un album pensé pour les gorilles, par des gorilles. La base est simple et loin d'être originale : des basses, des beats et des samples, et un peu de clarinette pour inspirer Peter Jackson. Des samples des musiques de là-bas où vivent les gorilles. De la rumba et de l'afrobeat, des sons de films de gorille des années 30. Le résultat n'a rien de surprenant, rien de révolutionnaire. On est juste face à quelqu'un qui va au bout de son concept et de son idée, à tel point que sur les (seulement) quatre euros pour télécharger l'album, deux vont pour Gorilla Fund et deux autres vont pour Gorilla CD, des organisations pour la défense des gorilles, contre la déforestation. Une musique plus rafraichissante que la lourdeur de la jungle, au profit des gorilles, et pourquoi pas ?
http://getuliotheoldgorilla.bandcamp.com/

Eudaimonia - Golden Ghost (2011 - Epiphysis Foundation)

Golden Ghost avait déjà touché la grâce en 2009 avec The Unimaginative Boy, où la voix de Laura Goetz, naïve et enfantine comme celle de Joanna Newsom, mais jamais loin d'une tristesse si profonde qu'elle briserait l'originalité apparente des compositions et des mélodies. Parce que Laura Goetz ne vise rien d'autre qu'une somme philosophique vers l'Eudaimonia, l'accomplissement humain, la floraison d'un être. Une histoire où un chercheur, un "cherché", un professeur et le roi de la mort se croise et s'enlacent. Si eudaimonia signifie "absence de division" en grec, l'album a été assemblé par de trop nombreuses personnes dans de trop nombreux endroits. C'est là que le paradoxe est le plus beau, Laura Goetz raconte une histoire qui va vers la disparition de la division entre les hommes ou ce que vous voulez, et son histoire tient debout grâce à ces différences et ses divisions. Peut-être parce qu'elle arrive à garder la même grâce dans sa musique.
http://heygoldenghost.bandcamp.com/album/eudaimonia

Jamaica Inn - Stanley Brinks & The Kaniks (2011 - Hype City Records)

C'est l'histoire d'un mode de vie. Des mecs qui font de la musique avec des brics et des brocs, sans se soucier de savoir si ils boufferont avec demain, si ils auront des dates. Tellement déconnectés d'une certaine réalité qu'on appellera leur musique de l'anti-folk. Anti un peu tout, parce qu'elle est anti rien, en fait. Elle raconte juste des histoires, sur trois accords de guitare, de ukulélé ou de banjo, une rythmique aussi basique que de la techno de bas étage. C'était Herman Düne, porte flambeau de l'indie décomplexé français. Puis, André Herman Düne s'est barré, parce que les choses devenaient un peu trop grosses. Son truc à lui, c'est de vendre des CD-R après ses concerts, et d'enregistrer à tour de bras. Il adopte le nom de Stanley Brinks, et sa musique reste la même, immuable folk simpliste, facile mais efficace, qui rappellera John Darnielle ou les Moldy Peaches, et même le grand Lou Barlow. Rien d'étonnant à le voir aujourd'hui balancer son album en écoute gratuite sur bandcamp. Même si pour acheter le disque, faudra mettre 15 euros. Pour ce prix-là, j'achèterai plutôt un disque des Mountain Goats. Où je les garderai pour aller le voir en concert. Alors on se contentera d'écouter ce folk agréable sur Bandcamp. Après tout, c'est fait pour.
http://stanleybrinks.bandcamp.com/album/jamaica-inn

Impaled Peach - s/t (2011)

Internet et Bandcamp, c'est aussi des vous et des moi. Des gens qui font de la musique parce qu'ils s'ennuient, parce que ça tue le temps, parce qu'ils en ont envie. Une musique sans prétention, gratuite, juste là parce qu'elle existe. Et on sait même pas pourquoi elle existe, cette musique. Et souvent, quand on met ensemble ce genre de gens, il y a catalyse et ils s'encouragent à enregistrer encore et encore. Le plus bel exemple que je connaisse reste le forum Elephant 6, où l'on ne se contente pas de ressasser la gloire 90s de Neutral Milk Hotel, on s'y amuse à reprendre le White Album des Beatles dans son intégralité, on fait des compiles de bruit, et des hommages à Elephant 6. Et on partage ce qu'on enregistre. Impaled Peach donc (avec qui j'ai eu la chance d'enregistrer quelques trucs, eh ouais), a été bercé par E6, et notamment Olivia Tremor Control, dans la manière de concevoir le son et la mélodie, sans jamais oublier les bases folk lo-fi chères au label. On se retrouve face à un problème assez étrange : est-ce que j'aime parce que je le "connais" ? Ou parce que c'est bon ? Il faut retourner la question et se demander : et si le groupe que j’exècre le plus enregistrait ça ? Et, comme il est impossible de trouver une réponse correcte et neutre, on se retrouve à réécouter et à apprécier simplement une musique spontanée, bien foutue, et inspirée. Pas besoin de crier au nouveau génie d'internet, on peut en trouver toutes les cinq minutes sur Bandcamp ou d'autres plateformes. Et c'est ce qui est beau dans l'histoire, que chacun puisse devenir le génie déniché à la sueur de son clic sur le net, simplement en proposant modestement ce qu'il fait.
http://impaledpeach.bandcamp.com/album/impaled-peach

Les Amours Imaginaires.

2011-07-03T22:41:00.000+02:00

Quand on arrive à Montréal par la route, on perd l'esprit. Les routes s'emmêlent dans des ponts qui se superposent, tournent et retournent, s'entortillent autour d'autres routes. Le nombre des possibilités est infini, on se perd dans les sorties. Ce périphérique sans fin est un labyrinthe dont l'issue est, si tout va bien, la ville. Entrer dans Montréal, c'est surpasser le bordel des routes qui s'entremêlent pour arriver dans un autre espace de désordre, la ville elle-même. On remonte Saint-Laurent et l'on traverse China Town, les magasins de fripes plus glauques qu'un épisode de Twin Peaks, où le parquet se décolle, où des abat-jours pendent devant la façade, où des monts de vêtements poussiéreux se mélangent comme les routes du périphériques.

Malgré la construction carrée et nord-américaine, malgré le quadrillage précis et sérieux que font les rues, Montréal est bordélique. Dans le bon sens du terme. C'est un joyeux bazar en perpétuel mouvant, où les centres commerciaux souterrains répondent aux rues animées en été parce qu'elles sont piétonnes. Et ce bordel citadin est profondément fascinant et charme trop facilement. On se retrouve vite amoureux de Montréal. Pas un coup de foudre, mais une évidence. C'est la ville qu'on rêve, celle du mélange. L'anglais et le français, les hipsters aux doudounes sans manches et les gentils faux chav's ; c'est la pop niaise et le cinéma de Xavier Dolan qui se retrouvent face à la grande ville. Montréal est un mélange qui est beau parce qu'il n'est pas homogène. Tout se confronte et il y demeure un équilibre surprenant.

Socalled vient de Montréal. Sa musique est aussi bordélique que sa ville. Elle mélange tout ce que ce DJ-pianiste-MC-accordéoniste-producteur juif-québecois-canadien éclectique aime. Il avait récupéré des vieux vinyls des années 30 pour claquer son Ghettoblaster, glorieux mélange de chants traditionnels Yiddish et de hip hop. Le voilà dans la continuité. Musique totalement indescriptible et assumée, avec des airs de Klezmer recouverts par des voix r'n'b ou soul, des déflagrations de mots sur des couplets hip hop, des interludes simples au piano, et du groove en dose conséquente à chaque fois. Pas de consistance, pas de cohérence, juste du plaisir sans queue ni tête. Si Socalled frise sans hésitation le mauvais goût, il témoigne d'une intention tellement belle qu'on préfère se tortiller comme le périphérique de Montréal, plutôt que de recourir au traditionnel visage fermé pour les voyages en métro.

Se perdre dans la pyjama party de Socalled, avec Sleepover qui sort chez The Freed, revient à se perdre dans Montréal, à s'imprégner de la ville et surtout de son essence : l'attachant désordre. Et c'est un plaisir inestimable.

L'insoutenable légereté de l'être.

2011-06-24T23:17:00.000+02:00

Dan Boeckner et Alexei Perry sont de joyeux trentenaires. Ils sont ces gamins des 80s, trop jeunes pour avoir pleurer sur les Smiths et déprimer sur Joy Division. Du coup, ils ont été élevé au son des nineties, avec une amertume au fond de la bouche, ne jamais avoir vécu les danses synthétiques en temps réel, ne jamais avoir fait de soirée indus dans des hangars, ne jamais secouer leurs corps sur des rythmes épileptiques. Dan Boeckner et Alexei Perry ont, ancrée en eux, la mélancolie du kitsch.

Et si l'on cherche les racines de ce terme allemand, on trouve par exemple une citation du tchèque Milan Kundera : "Le kitsch, c'est la négation absolue de la merde". Être kitsch, c'est être tellement daté qu'on ose plus vous regarder. C'est porter une veste en mouton retourné, c'est pleurer les paillettes et s'extasier devant un tapis en forme de tigre. Chacun a son kitsch, chacun y fait son marché, chacun détaille ce qui est tellement "à oublier" qu'il en devient dérangeant. La "merde" devient alors provocatrice, elle explose les standards parce qu'elle s'assume. C'est la toute la force du kitsch, transformer les plus laids des complexes en force destructrice.

Handsome Furs en avait des complexes, sur Face Control. Album indie d'excellente facture, où Wolf Parade s'immisce souvent. Une musique bien sérieuse, avec les sourcils froncés et Boeckner qui se bat pour réprimer ses instincts eighties. Il se bat pour réfréner ses envies de synthés. Handsome Furs complexait sur son grand amour du kitsch. Handsome Furs préférait se cacher, rester dans l'ombre de l'indie à guitare pour que personne ne voit ce nez trop grand, ces poils mal placés ou même ces fesses trop grosses pour les bouger réellement sans se sentir mal à l'aise.

Et deux ans après, comme s'ils avaient terminé leur crise d'adolescence, les deux enfants d'Handsome Furs font tomber les voiles. Ils se montrent nus, à poil, avec tous leurs défauts devant. Ils assument enfin leur amour des synthés ridicules, de la pop mélancolique trop romantique. Ils assument enfin de s'appeler "les fourrures magnifiques", et font leur musique en conséquence. Une musique qui à toute la force du kitsch. Il y a un côté Xiu Xiu dans cette fougue 80s, les expérimentations mises à part. Et finalement, c'est toute la force de la pop qui explose : une naïveté enfantine et dansante pour faire de l'ombre à un côté sombre.

Handsome Furs met en avant ce qu'il essayait de cacher auparavant sur ce Sound Kapital qui sortira le 28 juin chez Sub Pop. Ou quand l'amertume devient pétillante.

A lovely day

2011-06-23T23:23:00.003+02:00

4 ans après le court épisode The Clears, le petit Shelby n'avait toujours pas grandi, bien au contraire. Fils caché de Daniel Johnston et amateur de kitscheries, il sortait en 2001 son Cloud Wow Music, qui rappelle son père spirituel, tant par sa légèreté enfantine que par ses talentueuses compositions. Ce qui n'empêche nullement au personnage de trouver sa propre voie entre rêveries et amusements.

Cloud Wow Music est un album qui vous veut du bien ; une pop classieuse avec un petit grain de folie qui fait sourire et berce les petits soucis du quotidien.

Juin

2011-06-20T21:12:00.006+02:00

Un peu en retard pour la playlist de juin, mais juste à temps pour fêter l'été, la musique, les vacances, la vie.
Il y en a pour tout les goûts: de quoi rêver avec le dernier Rone, un Dead Can Dance ou Global Goon, tu sentiras ta testostérone perler sur ton visage en écoutant Neurosis et Milanku, ou même tes synapses bouillonneront grâce à Swin Deorin, Chevron ou Cheval de Frise.

Bonne écoute!

H'artbeat

2011-06-11T13:05:00.001+02:00

En 1978, Louis Thomas Hardin sort ce qui pourrait être ses enregistrements "pop" ; 10 poèmes accompagnés au piano et enregistrés en Allemagne fraîchement adoptée. Le Viking de New-York s'était toujours senti plus proche intellectuellement de l'Europe que de son Amérique natale.

H'art Songs est une collection de chansons touchantes et contrastées, d'amour et de mort, d'espoir et de révolte, d'humour et de gravité, d'imagination et de réalité.
Moondog est un Maître aux multiples visages dont H'art Songs n'est qu'une facette parmi d'autres de son œuvre fascinante.

No Need to Worry.

2011-06-09T18:00:00.001+02:00

Yeasayer - 8 juin 2011, Soda Club, Montréal

Ce soir là à Montréal, il fallait faire un choix. Un choix de taille. D'un côté, le game 4 des finales de hockey, opposant Boston à Vancouver, de l'autre, le concert de Yeasayer au Soda Club. Vibrer avec le sport national ou danser avec le groupe de New York City. Fais ton choix camarade.

Entre deux sex shops, dans cette rue encore humide du léger orage qui vient de frapper, ceux qui ont fait le choix du concert s'amassent. Le programme est alléchant : Hush Hush, les jeunes garçons coiffeurs Smith Westerns et donc Yeasayer. Certains ont trouvé la parade et guettent d'un oeil le match de hockey sur la console du technicien lumière pendant que les Smith Westerns ont lissé leur rock prometteur comme leurs cheveux. C'est fade et cool à la fois, un peu inutile comme les trous dans leurs jeans.

Alors que Boston mène 3 à 0 contre les Canucks, Yeasayer s'avance dans une salle déjà conquise, où la danse devient reine. Le chanteur se lance dans une valse infinie avec le pied de micro après avoir charmé le public de ses anecdotesde premier baiser. Yeasayer se résume à une seule chanson : 2080. Un chantons, dansons, sourions et profitons d'être là parce qu'on sera sûrement mort en 2080, un hymne à l'instant, au présent. Et ce parti pris de vivre tout maintenant et trop vite, c'est en concert qu'il s'exprime le mieux, c'est quand les néons brillent et que les spots tournent que le groupe puise toute sa puissance. Il n'essaie d'ailleurs pas de sortir de ce sentier. Les vagues s'abattent donc sur Montréal, des vagues de déhanchements et de sourire. Bien sûr, il y a quelques creux, des instants où l'on préfère décrocher pour mieux repartir ensuite, mais Yeasayer, fidèle à ses croyances, envoie des ondes positives sans jamais s'arrêter.

Boston a gagné, et l'on sort de la salle avec le sourire béat et figé du ballon jaune qui naviguait de mains en mains au début du concert. Pas de plan de long terme pour Yeasayer, tout est dans l'instant présent. "Never look ahead" comme ils disent.

Dancer in the Dark.

2011-05-30T23:05:00.000+02:00

Alors que le soleil et la pluie se passent le relai dans un mouvement perpétuel, que les journées s'allongent et qu'on s'apprête à hanter les nuits, deux EPs et deux très bons albums qui, dans la sphère musique électronique, s'imposent aisément.

Rone - So So So (InFiné)

Comme chez Autechre ou Burial, le format EP reste un des meilleurs moyens pour frapper fort et sèchement, en musique électronique, sans se perdre dans des dédales de rythmes et s'enfoncer dans un amas illisible et trop austère. Le EP permet de rester concis, d'aller à l'essentiel. Rone est français, et sa minimale mélange les sphères éthérées d'un Nathan Fake et de Border Community, la force des sets décomplexés d'un Speedy J, et une profonde mélancolie singulière. En trois titres seulement, on passe d'une piste de danse fumante à des climats plus apaisés, qui rappelleraient presque les plus beaux instants d'apesanteur de Jon Hopkins. Et l'air de rien, il est assez rare de se retrouver bouche bée face à la beauté d'un titre dancefloor efficace. Derrière les édifices de beats se cache une sensibilité pas dégueulasse, un amour de la mélodie comme un bijou à tailler. Trois titres qui menacent grandement Burial dans la catégorie EP électronique qui fait chialer.

Venetian Snares - Cubist Reggae (Planet Mu)

Aaron Funk n'a absolument peur de rien. Rien ne l'effraie, il n'a aucune limite. Sa créativité folle ne s'asséchera donc jamais. Après avoir dégommé des centaines de millions de synapses dans des milliers de cerveaux d'aventuriers sonores trop abasourdis pour comprendre ce qui leur arrivait, après avoir transformé Bartok et Mahler en chef d'oeuvre de breakcore, Venetian Snares ralentit la cadence et s'attaque au... reggae. Le reggae, espace propice à la syncope. Ce qui arrivera sans aucun doute à l'écoute de ce petit EP malsain comme tout, où les voix d'outre-tombes se mélangent aux rythmes jamaïcains, aux basses profondes, sans oublier l'aridité des beats chez Aaron Funk, condition sine que none a sa musique, qui doit avant tout, rappelons-le, vous cramer les méninges. Venetian Snares annihile le reggae en le ralentissant, il l'explose pour en saisir tous les côtés, chaque angle de cette musique s'appuiera sur le crâne. Du reggae cubiste, et pourquoi pas. Et pour une fois que Funk ne part pas dans un délire potache et ridicule, qu'il reste sérieux et va jusqu'au bout des choses avec finesse et intelligence, saluons-le.

K-S.H.E - Routes Not Roots (Skylax Records)

Il ne faudrait jamais l'oublier, mais la house est une musique sexuelle. Saccadée, sensuelle, forte, alternant accélérations et ralentissements. La house, c'est la sueur tout le long de la nuit, c'est un mouvement continu et organique. Une musique forte, incitatrice et sans sous-entendu, destinée à se faire rapprocher les corps dans des danses improvisées. La house, c'est corporel. Alors la voir petit à petit devenir intelligente, la voir se faire décharner par les machines, perdre toute sa sensualité organique, ça peut être intéressant, mais on s'éloigne du sujet. Heureusement, Terre Thaemlizt est là pour le rappeler à tout le monde : la house originelle n'est pas morte. L'androgyne croque la pomme du péché à pleine dent, et ses longs titres entrecoupés de dialogues et autres intermèdes ne devraient jamais s'arrêter, tant ils suintent le désir. Une house charnelle, sensuelle, comme une perfusion de dopamine directement dans le cerveau. Impossible de s'en lasser. Chef d'oeuvre.

Robag Wruhme - Thora Vukk (Pampa Records)

On aurait peut-être pu coller Robag Wruhme dans la catégorie de ces producteurs house qui oublient la sensualité au profit d'une musique trop cérébrale. Que dalle. Wruhme remplace la sensualité et la sexualité par un retour béat à l'enfance, à l'innocence. Et c'est beau comme la première fois qu'on voit la mer. C'est romantique et niais, dans le bon sens du terme. Comme si Robag Wruhme s'émerveillait devant tout. Comme s'il avait pour contrainte de rendre le contingent sublime. Et, encore une fois cette année, les machines mouillent les yeux. Piano et voix s'emmêlent, rires d'enfants et langages étranges. Robag Wruhme vous donne la bande son rêvée pour vos vidéos en Super 8. Il vous raconte vos souvenirs comme jamais vous n'aurez osé les imaginer. Il colore d'un ton sépia les photos en noir et blanc, sans jamais oublier la constance danse. Mais une danse nostalgique et pleine d'émotion.

The Tree of Life.

2011-05-27T23:49:00.000+02:00

Encore une fois, c'est une histoire de croyance. Non pas en un grand architecte, singulier ou pluriel, non pas aux miracles, non pas en une instance supérieure et insaisissable. Ce n'est pas la croyance en l'intangible, c'est admettre l'ineffable. C'est plus que de la superstition, plus que l'envie de connaître les causes de tout. Et, tout aussi paradoxalement, c'est se confronter à ses propres limites, et ce, sans se confronter à l'infini.

Bon Iver, ce sont des petites cabanes en bois et des marécages, des nénuphars et tout ce retour new-age à la nature. Dans le monde idéal de Justin Vernon, il n'y aurait que des arbres rendus flous par l'aquarelle, des fleurs blanches et de l'amour comme une présence elfique, comme une force éternelle qui hanterait chaque corps vivant. La musique de Justin Vernon transpire la nature, pas celle tangible, que l'on côtoie sans s'en apercevoir, mais une nature ayant une âme, sortie tout droit d'un dessin animé (le mot est tellement approprié) de Miyazaki. C'est dans cet animisme que la musique de Bon Iver devient surnaturelle. Parce que Vernon donne aux notes et aux sons l'âme qu'il voit flotter constamment autour de lui.

Et il y croit tellement fort que l'alchimie opère. Sa croyance déteint peu à peu, et une plongée dans des aquarelles de cabanes et d'arbres devient inévitable. On se retrouve happé dans un monde rêvé, un fantasme barbu et naturaliste. Bon Iver vole dans les airs comme une apparition. Moment éphémère presque surnaturel, qui échappe à toute explication. Et la croyance en la rationalité s'effrite, pas que ce discours s'impose et convainque, mais simplement parce qu'il efface tout le reste l'espace d'un court moment. La rationalité laisse place à un vide. Et l'on en arrive à se demander simplement comment la magie opère à chaque fois que Vernon ouvre la bouche, comment cet ermite arrive à enlever à chaque fois toute once de distance, à décharner les débuts d'analyses et à écraser les moindres doutes naissants sur sa musique.

Ce n'est qu'un album de Bon Iver de plus, sous le nom de Bon Iver, qui sortira le 21 juin chez Jagjaguwar. Un quelque chose musical tellement sensible et singulier qu'il court-circuite la critique, parce qu'il force simplement à croire.

Time is on my side.

2011-05-22T21:56:00.000+02:00

Thurston Moore a passé sa vie à aller trop vite. Thurston Moore a fondé Sonic Youth à 23 ans. Thurston Moore a à peine eu le temps d'épouser Kim Gordon qu'il était déjà l'étendard des nouvelles vagues new-yorkaises, qui déferlaient sans cesse. Il a révolutionné la musique en trois albums sur trois ans. Il a donné au bruit ses lettres de noblesse. Il a enregistré des projets inaudibles. Il a joué de la guitare désaccordée. Il y a tellement d'énergie chez ce mec un peu looser, aux éternels airs d'ado mal coiffé, qu'il a créé un label parallèle, pour ses productions "expérimentales". Thurston Moore tâte de tout, trop vite, tout le temps, comme s'il était habité par une bougeotte créatrice.

Thurston bâcle-t-il ? Non, il va juste trop vite. Il est resté dans la folie des années 80 et 90, il est resté le gamin penché sur sa guitare pour en tirer le maximum. Il est resté le jeune homme concentré sur l'immédiateté de sa musique, une fougue complexe et adolescente à la fois. Le nom de Sonic Youth, l'air de rien, est parfaitement choisi. Sonic Youth, comme la jeunesse qui fane trop vite, mais qu'on perpétue à jamais en gardant sa soudaineté.

Aujourd'hui, Thurston Moore a 53 ans. Il ne semble toujours pas question de souffler. 2011 ? Une bande originale avec Sonic Youth, un EP expérimental, un album de guitare acoustique, et un album solo. Si les trois premiers restent des instantanées de sa vie, son Demolished Thoughts montre un Thurston apaisé. Comme si la contrainte temps s'était évaporé, qu'il avait eu le temps de s'asseoir, de réfléchir, de travailler. Difficile de ne pas y voir Beck derrière. Demolished Thoughts est un album contre-nature. Il semble calme et serein. Il n'y a pas ses dissonances et larsens habituels. Il n'y a pas de bruit, il n'y a pas de cris. Il y a juste Thurston et la musique. Il aurait fallu plus de trente années pour que Thurston regarde sa musique en face. Et qu'il l'adoube.

Thurston Moore ne sait rien faire d'autre que sa musique, celle qu'il a inventé. Il ne sait rien faire d'autre que de tisser des atmosphères tout en tension, qu'importent les violons. Il ne sait que chanter de sa voix lascive. Beck ou pas, seule la forme varie. L'urgence habituelle y est. Elle est dans les allers-retours mécaniques sur la guitare, dans la façon de cracher les mots. La seule différence, c'est cette guitare acoustique et ces arrangements. Le reste, c'est du Thurston, pur et dur. "Benediction" est belle comme un "Superstar" ou un "Sweet Shine". Circulation", c'est Sister dans toute sa splendeur. Ce n'est qu'une histoire de son. Électriser Demolished Thoughts et vous avez du Sonic Youth. Thurston reste immuablement le même. Il reste Thurston Moore, guitariste et chanteur chez Sonic Youth, qui s'évade en solo parce qu'il a besoin de toujours plus, simplement.

Demolished Thoughts, qui sortira chez Matador n'est qu'un album de Sonic Youth de plus, avec des atours différents. Parce que Thurston ne sait pas prendre le temps de faire autre chose.

L'art de la répétition.

2011-05-20T16:30:00.006+02:00

Spectrum + Cosmic Control @ L'Hospice d'Havré, Tourcoing, 19/05/11

Hier soir, à l'occasion du festival "Les Ondes Magnétiques" organisé par la sympathique salle de concert roubaisienne La Caves aux Poètes, avait lieu à l'Hospice d'Havré à Tourcoing un concert à la programmation exigeante et non moins alléchante: Spectrum, le groupe que Pete Kember (aka Sonic Boom) a bâtit sur les cendres du Spacemen 3 et en 1ere partie Cosmic Control, le projet live du lillois Mark Lion avec en guest un habitué de la Cave, l'excellent Etienne Jaumet (de Zombie Zombie). Le concept est plutôt intéressant: un groupe éphémère itinérant, passant du temps en studio avec des musiciens invités afin d’enregistrer un live.

La configuration de la salle est particulière: une cinquantaine de places assises, à la manière d'un petit cinéma de quartier, qui permet une certaine proximité avec les artistes et une vue imprenable. Bon c'est difficile de se déhancher dans ces conditions, mais ce n'est pas grave, ce soir on est là pour en prendre pleins les oreilles, scotché sur son fauteuil.

Cosmic Control entre en scène dans la brume et commence progressivement par une sorte d'ambiant psychédéliques aux fortes connotations retro grâce à l'appui des synthés d'Etienne Jaumet. C'est assez rêveur et statique, le projet parvient à lier des influences post rock, acid, synth pop et electronica tout en restant assez homogène et épuré. Petit à petit, le son prend de l'ampleur sans tomber dans la facilité. Il y a tout de même quelques petites longueurs parfois, l'aspect hypnotique devenant répétitif. En définitif, ce jeune projet, bien qu'assez exigeant pour l'auditeur, présage beaucoup de bonne choses pour l'avenir.
Au passage, pour les Lillois, Etienne Jaumet joue ce soir à la Malterie, l'ayant vu l'année dernière, si vous aimez les loops hypnotiques et le son gras des bon vieux synthés analogiques, le tout orchestré par une main de maitre, ce live est fait pour vous (en plus c'est pas cher).

Spectrum est un de ces groupes qui possède une aura particulière: pour beaucoup, Pete Kember est l'un des inventeurs du Shoegaze au sein de Spacemen 3 avec Jason Pierce. Mais l'étiquette est un peu facile, leur son est plutôt une symbiose du psychédélisme des années 60 et de la noirceur mélancolique des années 80.
Le groupe tourne énormément en ce moment, ils étaient déjà passés en novembre dernier dans une petite salle à Comines (frontière franco-belge), concert où j'étais resté sur ma faim: set assez court et ennuyeux, 5 min de blanc entre chaque chanson et un son plutôt mou alors que l'on s'attend à une déflagration sonore.
C'est exactement le concert inverse auquel j'ai assisté, Pete Kember possède une prestance et une rigueur impressionnante sur scène et pose sa voix caverneuse sur une batterie-métronome et des guitares planantes et hypnotiques, la même mesure décuplée à l'infini. L'auditeur est happé vers cette drogue auditive aux propriétés sédatives mais jamais soporifique. Progressivement, les saturations et les larsens s'intensifie au fil du concert, donnant une nouvelle dimension au son désenchanté de Spectrum. Le set fut plutôt long (presque 2h) et intense bien qu’extrêmement statique et répétitif. Une belle claque en définitif.

Daydream Nation.

2011-05-15T23:14:00.001+02:00

Atari Teenage Riot incarne un des plus beaux paradoxes de la musique punk. Qu'importe le nom qu'on lui donne, cette musique, c'est la révolte. Punk, hardcore, punk-hardcore, ou comme le dit Alec Empire lui-même, Digital Hardcore, ce n'est qu'une dénomination pour une musique profondément engagée, destinée à retourner les institutions, dénoncer la brute et les gouvernements, les méchants et la censure. Si l'on s'attarde sur le discours d'Atari Teenage Riot, on a très vite envie de rigoler discrètement. Les beaux discours, les grands "too much government control !", tout cet anarchisme bon enfant comme la plus belle des révoltes d'un adolescent, pétant son Atari pour défier la société de consommation.

Sauf qu'Atari Teenage Riot en a lancé, des émeutes. A Berlin, notamment, pendant une techno parade sur un char. Et voir Atari Teenage Riot en concert, c'est oublier toute la naïveté du discours, c'est lever le poing en l'air sans raison, comme crier "nique la police" à un concert d'NTM. Parce que leur musique a toute la puissance de la révolte. C'est la fougue haineuse de l'adolescence qui s'exprime par les voix saturées par des filtres, les riffs faciles mais ravageurs, et le tempo épileptique des titres. Atari Teenage Riot est résolument premier degré. Pas de place pour l'ironie. Le discours transpire d'une sincérité frappante, même douze ans après la bombe 60 Second Wipeout et ses ravages dans les cours d'école, quand tout le monde hurlait "Revolution/Action !".

Bien sûr, le temps s'est écoulé depuis. Atari Teenage Riot avait implosé après la mort de Carl Crack, d'une overdose, après la tournée Fragile de Nine Inch Nails. Atari Teenage Riot avait tout brûlé sur son passage, et Hanin Elias avait achevé le monstre avec ses éternels désaccord. Alec Empire s'enfuira, sortira des substituts d'ATR sous son nom, avant de s'apaiser sur le somptueux The Golden Foretaste of Heaven, déclaration d'amour aux gens et aux machines.
Alors quand ils ont annoncé un retour, avec Nic Endo et CX Kidtronix en lieu et place de Carl Crack, c'était le doute qui prédominait. Nic Endo se contentant de reprendre les parties d'Hanin Elias. La tournée avait mis tout le monde d'accord, Atari Teenage Riot était toujours aussi présent, et la violence les portait toujours.

Alors un nouvel album, dix ans plus tard. Les engagements demeurent, la musique évolue. La recette de base reste la même, mêler au punk et au hardcore des bases techno, ne jamais ralentir, et crier le plus fort possible. Mais l'absence de compromis totale du passé a laissé la place à quelques petits détours presque apaisés. Et il est là, le problème. Avant, il n'y avait aucun répit, aucun temps pour souffler et écouter. Trop occupé à secouer la tête pour écouter les paroles et se retrouver en dissonance avec le discours. Les ralentissements d'Is This Hyperreal ? troublent parce qu'ils mettent en exergue le paradoxe de la musique d'ATR. Atari Teenage Riot semble un peu trop apaisé pour faire renaître la violence indécente des premiers albums dans les cœurs de rebelles enfouis sous une couche de cynisme. Mais cette perpétuelle révolte reste le moteur du groupe, et tant qu'ils ravagent tout sur leur passage avec cette spontanéité, on leur pardonnera.

Atari Teenage Riot revient avec Is This Hyperreal ? sur leur label, Digital Hardcore, comme un dernier disque pour nous raccrocher à notre adolescence.

Hey Joe.

2011-05-14T13:11:00.000+02:00

Joe Lally est par définition un homme de l'ombre. Il n'était que le bassiste, dans Fugazi. La basse a beau être centrale, il a beau avoir fondé le groupe, il était dans l'ombre de Ian Mackaye et, dans une moindre mesure, de Guy Picciotto. Pièce centrale, mais invisible, voilà Joe Lally. Mythe effacé avant même d'être reconnu. Fugazi fait une pause, indéfinie, et Joe se retrouve avec sa basse entre les mains et des idées plein la tête. Et le voilà lancé en solo.

Sortir de l'ombre ? Jamais. Joe Lally est l'intégrité même, la discrétion incarnée. Il continue son bout de chemin, avec ou sans Mackaye. Il continue et continuera à faire saigner ses guitares basses, et à déposer sa voix comme une complainte, parfois rock, parfois apaisée. Joe ne cherche absolument pas à briller. Il joue sa musique comme si elle lui était vitale. Pas pour les autres, pour lui, par habitude, parce qu'il ne sait faire que ça, parce que c'est comme ça. On appelle ça l'intégrité Dischord.

Mais derrière tout cela se trame une question, et pas des moindres. J Mascis ressort un album, sans Dinosaur Jr, et on l'adule. Troy Von Balthazar sans Chokebore, et on l'adule. Tous ces vieux couteaux, ces gloires d'antan qui grattaient des cordes avant même nos naissances, ces dynamiteurs de cadres et de formats pré-établies reviennent, et leurs albums plaisent. Pourquoi ? Parce qu'ils ont l'aura de leurs groupes autour de la tête, ce qui fait oublier leurs coupes de cheveux incompréhensible ?
Pour les trois dinosaures, c'est le même schéma. Il y a des deux : retrouver une idole comme un vieux pote, et, avec ça, des disques de qualité. Troy Von Balthazar frôle le grand disque à fleur de peau, J Mascis plait parce que c'est un branleur, et Joe Lally parce qu'il sait rester dans l'ombre. Dans l'ordre, Chokebore, Dinosaur Jr, Fugazi. On retrouve leurs projets d'antan dans leur musique actuelle. Et tout est là.

Oui, écouter Joe Lally en 2011, c'est très loin de Fugazi. Mais on y retrouve des intonations, des clins d’œil. Joe Lally persiste et signe dans le classicisme et l'austérité, avec son Why Should I Get Used to It ? chez Dischord, bien entendu. Il restera donc à jamais dans l'ombre, par choix, pourquoi s'habituerait-il à la lumière ?

The Holy Mountain.

2011-05-14T13:09:00.002+02:00

Gang Gang Dance vise les sommets. Pas dans le sens où ils cherchent la gloire et le succès, au contraire, ils sont plutôt des alpinistes. Ils allient amour du risque et préparation parfaite. Ils ne laissent rien au hasard pour risquer leurs vies. Mais même le meilleur plan du monde ne saurait éviter les montées d'adrénaline et le risque. Comme sur une corde tendue entre deux entités complexes à cerner, les équilibristes new-yorkais balancent et avancent.

Moins direct dans la tête que Saint Dymphna, Gang Gang Dance revient à des équipées plus proches de God's Money. Et vise les sommets. Il y a dans Eye Contact toute la tension d'une ascension. La lenteur et le calme s'efface peu à peu au profit d'un stress palpable et envoûtant. Les rythmes s'accélèrent, jusqu'au premier sommet, "Mindkilla". Avant, les titres peuvent paraître anodins, voire inutiles. Mais il faut les laisser prendre possession des esprits, les laisser danser en cercle pour envoûter le passant. Ils sont les chemins vers les sommets, ils ne cessent de s'entortiller, de monter et de descendre, de sauter et de s'effondrer. Ils ont en eux la force du hasard. Ils ne sont que des voies que l'on emprunte pour aller vers un ailleurs soi-disant plus beau, mais parfois, il suffit de s'arrêter en chemin et de jeter un œil alentour. La beauté est là aussi, elle est juste plus difficile à appréhender, moins frappante, plus diffuse.

"Mindkilla" vous en collera plein la vue, comme une vue frontale des alpes, comme se frotter au Cervin. C'est l'efficacité incarnée, tout ce qu'on attend d'un paysage de Gang Gang Dance. De la folie, des voix possédées, des sons déstructurées qui s'enchevêtrent pour donner naissance à une danse désarticulée. C'est de la transe pure. Mais une fois le sommet atteint, une fois qu'on y a fait le tour, il ne suffit que de redescendre, pour remonter plus loin. Et les alpinistes en question le savent bien. Ils vous impressionnent d'un "Mindkilla" pour que les titres suivants passent inaperçus. Alors que c'est dans ces volutes subtiles que le groupe fait la différence. Plus que des simples boucles électroniques, ce sont des mélanges savants, permettant la récupération et l'illumination, comme on en trouvait sur God's Money. Et cette descente tranquille remonte tout aussi tranquillement vers le dernier sommet. Moins fort, moins transcendant. La vue ici est panoramique, ce n'est plus l'homme confronté à la montagne, c'est l'homme au-dessus de la montagne. Plus grand qu'elle, plus majestueux. "Thru and Thru", comme le but ultime de chaque alpiniste, mêle calme et blizzard, reliefs et douceur.

Gang Gang Dance atteint un sommet avec son Eye Contact, chez 4AD, bien moins immédiat qu'un Saint Dymphna, beaucoup risqué, plus long à apprivoiser, mais c'est comme l'appel de la montagne. On devient vite aimanté, on y revient sans savoir pourquoi, comme hypnotisé par les neiges éternels.

Les Ondes Magnétiques.

2011-05-11T15:36:00.000+02:00

Quand il y a de belles initiatives près de chez nous, il est normal de les saluer. Saluer déjà l'excellente programmation en général d'une salle comme La Cave aux Poètes, où on a aussi bien pu prendre sa claque avec Kelpe, récemment, ou Xiu Xiu il y a quelques temps.

Et, à l'instar de la Gaité Lyrique à Paris, La Cave organise son petit festival dédié aux cultures électroniques. Petit festival ? L'air de rien, pas si petit que ça.

Qui dit culture électronique dit musique électronique. Programmation impressionnante. Entre un Arnaud Rebotini, pape technoïde qui clame "All you need is Techno" et un Christian Fennesz, ambassadeur de l'ambient, sorte de Tim Hecker de la guitare, on trouve Poni Hoax et sa musique tendrement 80s, comme un Joy Division qui a pris tellement d'antidépresseurs qu'il danse naïvement.

Mais ce n'est pas tout. L’israélien Spectrum et sa trance Tel-Aviv fera danser n'importe qui, alors qu'Etienne Jaumet et sa techno totalement libérée complète l'affaire. Résolument dansant, résolument efficace.

En plus de The Berg Sans Nipple, The Konki Duet (les chouchous d'Arbobo) ou Peter Digital Orchestra, on trouvera aussi des groupes de la région avec la synth pop de Pan Aurora, par exemple.

Et, parce que la culture électronique, ce n'est pas que de la danse frénétique sur des beats sans fin, il y aura bien sûr des performances vidéos, artistiques. Notre Gaité Lyrique du Nord en somme.

Le site des Ondes Magnétiques : http://www.lesondesmagnetiques.com

Le site de la Cave aux Poètes : http://www.caveauxpoetes.com/

La programmation :

Jeudi 12 mai, La Condition Publique, Roubaix : ARNAUD REBOTINI + MUSEUM.

Vendredi 13 mai, La Ferme du Gauquier, Lys-les-Lannoy : THE KONKI DUET + TRISTESSE CONTEMPORAINE

Samedi 14 mai, La Condition Publique, Roubaix : PONI HOAX + FENNESZ (et d'autres groupes et des performances)

Jeudi 19 mai, L'hosprice d'Avré, Tourcoing : SPECTRUM + COSMIC CONTROL FEAT ETIENNE JAUMET

Vendredi 20 mai, La Malterie, Lille : ETIENNE JAUMET + DICTA:PHONE

Samedi 21 mai, La Cave aux Poètes, Roubaix : THE BERG SANS NIPPLE + BACHAR MAR-KHALIFE

Samedi 22 mai, La Cave aux Poètes, Roubaix : PETER DIGITAL ORCHESTRA + GUESTS

Et si tout va bien, quelques reviews de ma part ou Vianney arriverons.

Mai.

2011-05-10T00:04:00.001+02:00

En mai, on fait une playlist. Avec les trucs habituels. Du folk, du rock, des trucs un peu kitschs, et surtout de la musique électronique de qualité, d'Aphex à Plastikman en passant par Ital Tek, et le somptueux dernier morceau du dernier album de Robag Wruhme.

Bonne écoute !

Space invaders

2011-05-07T01:24:00.003+02:00

En 1996 si je ne me trompe, on avait pour la première fois à la maison, avec un peu de retard, un lecteur CD. Un petit lecteur portable très basique radio/k7/CD. C'est aussi l'époque ou je commençais vraiment à mettre la tête dans la musique et à découvrir pleins de groupes chouettes, notamment grâce à l'émission radio "Ketchup & Marmelade".
C'est donc armé de mon argent de poche qu'un beau jour, à la sortie du collège, je me dirige à la FNAC pas loin, m'acheter mon tout premier CD. Un groupe que j'avais entendu 3/4 fois à la radio et qui me plaisait bien, un truc brit-pop mais un peu plus barré et original que ce que je pouvais écouter alors.

Spiders est un album riche, surprenant, varié et entrainant, qui contient quelques unes de plus belles perles de la pop britannique (Female Of The Species, Dark Clouds...). Une formule qui laisse bonne place aux arrangements synthético-électroniques, à l'humour et à une certaine classe ; on y sent beaucoup d'influences diverses habilement traduites : rock, punk, hip-hop, électro...
Un grand disque, unique en son genre, un achat que je n'ai jamais regretté.

Une partie de campagne.

2011-05-06T20:09:00.000+02:00

Ils sont nés dans la brume. Ils ont grandit dans la fumée de Londres, dans le "smog", ce mélange de pollution et de brume. Ils ont appris à vivre dans le gris profond et inaltérable de Londres, la ville où les taxis sont noirs. C'est tout un camaïeu de noir et de blanc qui a fait d'eux ce qu'ils sont aujourd'hui, et qui a fait leur musique. Seefeel, c'est la ville, mais pas exactement celle de Burial. Surtout, Seefeel s'échappe de Londres et de sa grisaille. Seefeel, en un album, conte une escapade à la campagne.

D'abord, le rythme de la ville, et la dure répétition des bruits, des sons. Toujours les mêmes, qui frappent quoiqu'il arrive les oreilles. Un rythme inamovible, épileptique, sur lequel se greffe des vagues de violence analogique. Mais Seefeel brouille peu à peu son jeu, et les marches martiales se délitent. On s'éloigne de l'horreur de la ville. Les tags sur les murs laissent place à des murs comme grandes étendues planes et insurmontables. Les rangées d'immeubles s'effacent, des espaces s'ouvrent. A travers les vitres, on voit de mieux en mieux la pluie.

Le brouhaha de la ville s'étouffe alors, et on commence à entendre des voix humaines. Elles sont comme des incantations, elles se répètent. Les échos des voix atténuent la violence de la musique, et le noir et blanc de la ville devient peu à peu coloré. Les sons deviennent peu à peu lisibles. On saisit dans cet amas des mélodies. Seefeel file à tout allure hors du tohu-bohu, sans pour autant perdre en densité. Juste que les paysages décrits changent, alors que la brume demeure. De la grisaille à la lumière, des forêts d'immeubles à des rangées d'arbres, des sons des métros aux voix envoûtantes des sirènes. Pas celle des voitures mais celles, magiques, qui hantent les profondeurs des étangs.
Mais toute escapade a une fin, et l'on se retrouve bien vite plongé dans l'atmosphère lourd et violent d'une ville, à nouveau. Le gris reprend le dessus, les voix s'estompent peu à peu au profit des fracas.

Seize ans après le chef d'oeuvre Succour, Seefeel s'échappe de l'étouffement urbain avec son album éponyme, sorti chez Warp. Une fuite en technicolor.

Cannibal Holocaust.

2011-05-04T14:39:00.000+02:00

Appelons ça le "syndrome Corinne". Et détaillons. D'abord, il y a un groupe anglais, sûr de lui, qui jouit du succès de Nights Out. Metronomy a une ambition, mêler pop et musique électronique, projet louable en soi, bonne idée même, qui peut mener à quelques franches réussites (pensons par exemple à Bibio et son Ambivalence Avenue). L'autre ambition de Metronomy, c'est de remettre la guitare basse et les basses en général au centre de la musique. Le projet est ambitieux. Autrement dit, Metronomy veut refaire de la pop comme dans les années 80 avec les moyens de 2011. Pourquoi pas.

Prétention pop mal placée, Metronomy ajoute à sa salade des voix un peu niaises sur des mélodies pas franchement rafraichissantes, novatrices ou même efficaces. Quelques bons espoirs naissent, avec des "The Look" ou des "The Bay" presque inspirés. Le reste demeure dans sa médiocrité. On ne s'y dandinerait même pas. "She Wants" a son envolée efficace et provoquerait presque un mouvement d'hormones autour de l'oreille. Mais sinon, calme plat dans les neurones. L'illumination est bien loin. Les chansons sont comme un papier peint des années 60. C'est intéressant, mais personne ne mettrait ça dans sa chambre aujourd'hui. Les couleurs pastel et les cercles qui s'emboitent, jamais ! Avec les moyens d'aujourd'hui, Metronomy sent la poussière déjà digérée.

Mais il y a "Corinne". "Corinne", c'est le péché que Metronomy essaie de cacher, ce côté décomplexé sans ambition, juste bon enfant, avec les synthés de "Enola Gay" et une ligne mélodique simple comme un tube de l'été. Un refrain rentre-dedans impossible à se sortir de la tête. "Corinne", c'est l'histoire d'une fille qui serre le cœur, tellement forte et gracieuse quand elle danse qu'on ne peut lui résister. On baisse les armes face à elle. "Corinne", c'est le résumé de l'album de Metronomy. Le groupe se bat, encore et encore, contre son démon "Corinne", à trop enjoliver d'artifices ses chansons et en oublier la moelle vitale :
"She just wants to dance all the time".

"Corinne" a tout compris, pas Metronomy. C'est le titre cheveu sur la soupe du disque qui se révèle comme le meilleur. Le reste n'est que prétention inutile et tentative de révolution par un groupe qui n'a pas le talent pour faire autre chose que des tubes de l'été.
Au final, "Corinne" cannibalise tout l'album, The English Riviera n'existe plus que par cette chanson. Même plus d'envie d'écouter le reste pour être sûr de ne rien manquer. C'est "Corinne" qui nous obsède, rien qu'elle qu'on veut, encore et encore.

Metronomy n'aurait jamais dû tenter de masquer ses vieilles envies 80s et se laisser porter par le souffle de "Corinne". Ils sortent quand même The English Riviera chez Because Music, mais ça fera cher pour un single.

Revolution/Action.

2011-04-18T23:21:00.000+02:00

Avant de s'absenter quelques temps ici et là, avant de laisser le blog tourner au ralenti quelques jours, je tiens à relayer et à partager cette initiative impressionnante de nos confrères de chez Chroniques Électroniques. En plus de nous abreuver de sons numériques et de beats insensés tout au long de l'année, de nous offrir une émission de radio comme on oserait même pas la rêver, ils proposent, que dis-je, ils offrent une compilation.

Parce que internet permet des choses fantastiques, comme de monter un label par exemple, un label dédié à la musique électronique, cérébrale. A ce qu'on appelle de l'IDM. Intelligent Dance Music. Donc, voilà, comme ça, treize titres de cette musique. Et pas n'importe qui, en plus. Access to Arasaka, qui rappelons-le, a sorti le meilleur album d'IDM de 2010 (devant Autechre !), Pleq ou encore Tapage. Et plein d'autres que l'on ne connait pas encore. Le tout masterisé par Aes Dana, rien que ça. Pas du boulot d'amateur, des choses sérieuses et bien faites. Respect profond.

Trêve de bavardages, je vous invite tous à aller lire l'article fondateur de cette aventure que j'espère longue, sur Chroniques Electroniques.
http://www.chroniqueselectroniques.net/article-various-artists-when-light-s-drillin-the-haze-71935014.html

Et surtout, je vous recommande d'écouter cette compilation d'excellente qualité. Parce qu'en plus d'être bien, c'est en téléchargement gratuit.
http://www.megaupload.com/?d=HHM2EYXR

Under African Skies.

2011-04-14T20:49:00.000+02:00

En 1986, Paul Simon sortait son chef-d'oeuvre absolu, Graceland. Enregistré entre Johannesburg, Londres, New York et Los Angeles, ce disque propulsait ce qu'on catégoriserait vulgairement de world music plus tard en haut de l'affiche. Dans Graceland, il y a la chaleur de l'Afrique, les chœurs des gourous et la danse de la pluie. Graceland est beau comme un orage l'été. Cet album est à la fois léger et possédé. Alors que Paul Simon sort un So Beautiful or So What en 2011, Noah Lennox, toujours planqué derrière le nom de Panda Bear, sort son Graceland.

Déjà chez Animal Collective, Lennox laissait poindre quelques digressions vers le berceau de l'humanité. On imaginait parfaitement la savane sur "Brothersport". Mais, disons-le, Animal Collective s'est un peu court-circuité par son implacable tendance à l’expérimentation, devenue quasiment vaine. A force de vouloir ajouter des couches à sa musique, les quatre animaux se sont perdus dans une forêt trop dense, oubliant leurs cris magiques sur Feels et Strawberry Jam, et la liberté totale d'un Here Comes the Indian ou d'un Danse Manatee. De Merriweather Post Pavillion, album agréable s'il en est, on retiendra surtout "My Girls" et "Brothersport". Et c'est loin d'être un hasard, car si on dénude un peu ces titres, on obtient du pur Noah Lennox. Voix fondues dans le décor par la reverb, motifs de synthés simplissimes mais profonds et surtout, une répétition des mélodies encore et encore, amenant à un apogée, une sorte de sommet venu de nulle part et jamais entendu.C'était exactement la construction de "My Girls", qui s'écartait d'un coup de sa construction tribale pour exploser d'un refrain inoubliable.

Tomboy continue sur la lancée de ces deux titres. Noah Lennox met de côté ses expérimentations inutiles, se concentre sur le son, noie sa voix et pose un rythme simple et tribal pour que ses incantations décollent et remuent la terre. Comme Graceland, c'est un album imprégné d'Afrique, où l'on entend les pieds nus frotter le sable ocre, on s'éblouit en regardant un soleil imaginaire. Ce n'est pas l'Afrique en elle-même qu'on entend, mais l'Afrique imaginée par ses américains. Paul Simon y voyait des diamants sur des semelles, Panda Bear y voit d'autres motifs, peut-être moins alambiqués et qui ne resteront pas plus qu'une saison, mais sa musique est aussi sincère et prenante que celle de Paul Simon.

Panda Bear sort son Tomboy le 12 avril chez Paw Tracks. Ce n'est peut-être pas le chef d'oeuvre qu'était Graceland, mais il rêve de la même musique, une musique sans frontières.

Punch-Drunk Love.

2011-04-13T01:33:00.000+02:00

Battles - L'Aéronef, Lille, 12 avril 2011.

J'allais vous parler du dernier album de Battles, Gloss Drop et expliquer que la tête Tyondai Braxton partie, il ne restait à Battles que les jambes et les hormones. Battles perdait son fort caractère intellectuel pour se concentrer sur les jambes, et les faire bouger sans cesse. Toujours en prenant soin de briser les tibias à coups de basse de manière à ce que les mouvements demeurent désarticulés. J'allais expliquer que Gloss Drop était un excellent album, en plein dans l'instant présent et dans l'éphémère, près à exploser à tout moment, et capable de faire hocher les têtes de n'importe qui devant son ordinateur. Puis, j'aurai dit que c'est le propre de Battles, de savoir comme ça, faire se mouvoir avec une musique à la fois complexe, libre et désaxée. Le paradoxe ultime : la simplicité dans la complexité.

Ensuite, j'aurai émis une petite réserve sur ce Gloss Drop, moins ambitieux, moins fou, moins intello, plus instantané donc trop facile. Juste un disque pour faire danser sous le soleil, qui tombait parfaitement, dans le contexte opportun alors que le printemps pointe son nez.

Alors sans Braxton, Battles devenait une sorte de !!!. Toujours efficace, mais moins brillant. Toujours aussi bon mais qui ne fera pas date, par manque d'ambition, par choix de privilégier l'immédiat au long terme.
Mais voilà, quand on le prend en pleine gueule, l'immédiat, on revoit son jugement.
Battles, sous les lumières rouges, vertes, jaunes et bleues, fracassent les jambes à grand renfort de basse, de percussion sans queue ni tête et de bruits qui encerclent et englobent ensuite totalement. Ces trois américains aux pas de danses guindés, pince-sans-rire, distillent leur musique venue d'ailleurs. Gloss Drop prend toute son ampleur en concert, quand on se retrouve face à face avec les tourbillons, les répétitions, les breaks et les accélérations. Battles court-circuite toujours le cerveau pour ne laisser que les jambes et la tête bouger en rythme.

Alors, reconsidérons ce Gloss Drop comme il l'est. Du plaisir en intraveineuse pour chercher à atteindre une transe chamanique. Quelque chose que finalement, j'ai ressenti pour la dernière fois en 2008, lors du concert de Gang Gang Dance à la Route du Rock. On pourrait parler de méthode Warp, du coup. Ce nouveau Battles est d'une ampleur folle sur scène. C'est un album pour la scène et pour le plaisir. Pour les hormones qui stimulent le corps. Alors faute de bonheur, on se contentera allégrement du plaisir.

Avril.

2011-04-12T13:18:00.000+02:00

La playlist d'avril, qui commence le printemps avec une des grandes heures de la pop italienne, et morceau principal du mignon film La Nostra Vita. Une chanson comme un supporter de la Roma qui pleure. Mais après, pas d'inquiétudes, la qualité est au rendez-vous avec l'amour de Vianney pour Legowelt, les nouveaux titres de Battles et Thurston Moore, des bons vieux classiques de Pavement, Do Make Say Think, Vincent Gallo et même Paul Simon, entre brulots électroniques habituels.
La bonne écoute !

Agoraphobia.

2011-04-10T22:32:00.000+02:00

Deerhunter - Le Grand Mix, Tourcoing. 10 avril 2011

Deerhunter est un groupe statique. Ils ont les jambes vissées dans la scène. Ils ne bougent que peu. Ils regardent dans le vide et se contentent de jouer. Le mouvement est ailleurs. Il est dans leur musique, saccadée et binaire comme une marche qui accélérerait petit à petit. Des enjambées de plus en plus grande, puis une course effrénée vers... rien. La cadence ralentit à nouveau, on repasse au pas, on prend le temps de regarder alentour, avant que Bradford Cox et sa bande nous impose à nouveau de les suivre dans cette cavale.

On pourrait facilement reprocher à Deerhunter d'avoir renié ses premiers albums résolument bruitistes, acidulés aux saturations, qui bourdonnaient comme un essaim. Ceci au profit d'une pop plus voire trop lisible, facile, où les saturations s'atténuaient pour laisser la place à des guitares cristallines. La voix de Bradford n'est, depuis Microcastle, plus jamais noyée dans les sons. Adieu donc Cryptograms et ta folie à peine feinte. Alors voir Deerhunter en 2011, c'est jouer à quitte ou double, ou à la roulette russe. Du moins quand on ne connait pas la réputation de ces quatre américains. Parce qu'on oublie jamais un amour de jeunesse. Les morceaux ont beau être plus pop, l'interprétation n'en est que plus démente. Deerhunter détruit sa pop pour rendre ses mélodies moins lisibles. Deerhunter renoue avec les saturations de plaisir et plonge la tête des spectateurs sous l'eau dès la première minute. Les variations de cadence, les courts arrêts entre quelques chansons n'y feront rien, Deerhunter hypnotise. Bradford Cox comme un fantôme, hante de sa voix et ses envolées vrillent la colonne vertébrale.

Pourtant, le groupe garde toujours cette distance, comme s'ils ne savaient pas qu'ils pouvaient bouleverser et pousser à une remise en question totale. Ils restent plantés sur scène, à fracasser des sons dans les oreilles des gens, sans se soucier d'autre chose que de cela. Parce que c'est là que Deerhunter fait la différence. Ils ne font pas que jouer des morceaux, ils les revisitent et les assènent avec une puissance rare. Il n'est même plus question de sincérité ou autre, c'est juste une partie de chasse entre les guitares et les tympans, où les guitares gagnent toujours. Et de tout cela jaillit une magie, la magie du bruit, aux pouvoirs insoupçonnés sur la psyché. Distorsion du temps et faillite de la conscience. Puis... rien. Les yeux hagards se croisent, les lumières s'allument. Et la vie peut reprendre son cours normal.

Blake égaré

2011-04-07T22:49:00.003+02:00

Refaire ce qui a déjà été fait peut-être parfois agaçant, en particulier lorsqu'on a l'impression d'entendre une copie grossière qui a tout de même la prétention de vouloir égaler ses géniteurs. Mais parfois on peut avoir de bonnes surprises, car comme toujours, au final, c'est le talent qui compte. On ne reprochera donc pas (surtout pas !) aux Junipers de dépoussiérer les tiroirs 60's, après tout ils font ce qu'ils veulent, et ils le font bien. Leur unique album, sorti en 2008, est un hymne à la pop. C'est pas révolutionnaire, mais c'est sacrément beau.
A quand la suite ?